На самом деле, ничего нового я не скажу – многое из упомянутого вы наверняка знали и видели сами, но всё же постараюсь обобщить и подытожить свои наблюдения, растянувшиеся, пожалуй, на 20 – 40 лет.

Антологии такая вещь (особенно книжные), что обычно вызывает противоречивые чувства – набор разнокалиберных историй, с разным стилем и содержанием (а порой очень похожих друг на друга, ибо все они по одной теме) – всё это порождает самые, порой, разные эмоции. То вся антология разочаровывает, то местами очередная антология прорывная – но большей частью, ты тупо не можно сказать, что антология тебе нравится – хотя пара-тройка её элементов, четверть, как минимум, тебя увлекала, развлекла и прочее. Обычно, оценивать проще, когда одна тема объединяет все поданные элементы в одну – но порой, такой узкий поток делает антологию предсказуемой и скучной; например, зомби или оборотни, если взять хоррор – ну что тут можно ещё сказать-показать? – может быть, одна-две истории могут быть любопытными и интересными, но не более. Порой, всё же из-за одной-двух попавшихся, действительно шедевральных вещей, всё же благодарен антологии, что ты её осилил.

Куда интереснее, когда антология даёт широкий простор для разнообразных разбросов по жанру – тут тебе и боевик, и философия, и заковыристый этюд – но и оценивать такую мешанину тоже тяжело, слишком неоднородно – от легковесной притчи, до грузящего шедевра, и наоборот.

Немаловажный толчок к общей форме повествования даёт сама тема, ради которой и была создана та или иная антология. Если тема более чем достойна, это фантастика\фэнтези, нечто интересное, а быть может нечто древнее и филосовско-человеческое, источник например, сам по себе интересен людям, богат на домыслы, интерпретации – либо тема недавняя, но породившая тот же интерес, бурные обсуждения и прочее. Тогда антология играет по-полной.

Так или иначе, хорошие, глубокие антологии собираются нечасто, и если в книжном мире их создать проще, то графическую, фильмовскую или чуть более уже классическую, мультипликационную форму, собрать труднее; сама мысль объединить кучу разных людей, со своими взглядами на воссоздание общего дела, темы – вещь трудоемкая и не быстрая.

Также я немного схитрю, и опишу не только антологии, а сходные по смыслу авторские сборники, но по сути, сделанные разными аниматорами – но по своей особой теме. Также упомяну одиночные проекты, любопытные сами по себе – этакие порождения, попытки дополнить какую-то одну вселенную, но выполненную с особыми чертами автора, за которую тот взялся.

Например, давний наш проект собрания разных Шекспировский произведений под одной антологией:

Шекспир: Великие комедии и трагедии\Шекспир: Анимационные истории (Shakespeare: The Animated Tales) (1992-1994).

Этот сборник 1992 года съемок – при том, что съемки начались ещё с 1989 и закончились в 1994 году, когда досняли второй сезон. Замечу, что одни мы или британцы, у которых были права на “ихнее всё” Шекспира, не потянули бы проект отдельно, и потому, только в союзе и взаимной работе родилась эта антология. Так сказать – идеи ваши, аниматоры наши! Получилось неплохо – это конечно, не фантастика, и не боевик (ну, разве что политический триллер – с Цезарем, да и с Ричардом III), скорее мистика местами (всё таки английская классика, а порой и комедия и трагедия тоже) – но всё равно, народу понравилось, особенно тому поколению 70-80-ых, воспитанных изучением школьного Шекспира (куда входила и моя мать, изучавшего его в оригинале – в английском изложении).

Также немаловажно, что с нашей стороны объединились несколько студий: Союзмультфильм, Арменфильм, МультТелефильм и особая для меня гордость – наша местная Свердловская киностудия. Все они основали так называемую студию Кристмас Филмз – специально для такого проекта (как раз в духе “коряво-англифицированных, дистрибутивных”, грядущих девяностых) – и поехали. Надо сказать, что британцы обратились не зря именно к нам – Дисней уже пугал чопорных и консервативных англичан своими кичливыми, яркими и осовремененными мультами – семейными, развлекательными, поверхностными, большей частью (тот же Меч в камне, довольно вольная переработка английских легенд получилась, как всегда – и ряд других), что в общем было вроде и неплохо – но не годилось для суровых и поучительных, взрослых, большей частью, произведений Шекспира, согласитесь…

Кроме того, у нас уже был снят, в сотрудничестве с островитянами, В поисках ̶Э̶м̶м̶и̶ Олуэн (режиссера Валерия Угарова, а первоисточник – кельтско-валлийский Мабиногион) – мрачноватая легенда, качественно нарисованная и озвученная – а уж музыка оттуда… (люблю этот мульт). Он как раз уже был почти готов и вышел в 1990 году, так что по горячим следам, приступали к следующему проекту – ̶к̶у̶й̶ ̶ж̶е̶л̶е̶з̶о̶ ̶п̶о̶к̶а̶ ̶г̶о̶р̶я̶ч̶о̶!̶

Всё благоволило проекту по Шекспиру, и сотрудничеству в целом – своё благословение ему дал сам принц Чарльз.

Наши рисовали анимацию, но озвучивали англичане с BBC, ибо тексты были их, озвучка также на английском – но дубляж, “для наших” зрителей, был уже наш. Также, британцы добивались от наших скрупулезного следования канонам; рисовать чуть ли не по их виденью, следовать стилю. Ага, щас! И тут, на мой взгляд, столкнулись две противоречивые особенности двух народов – русских и англичан: педантичность и следование традициям у них – и наш дух всё поменять и переделать, создать свежее, риск и авантюра – англичане были приверженцами классики: ни шагу в сторону – а наши хотели сломать старые стереотипы, нарисовать новаторски, разнообразно и необычно (впрочем, некоторые художники как раз обладали такой рисовкой, какой нужно – мягкой и под старину, классической, хотя некоторые наоборот, были авангардистами – тот же Саакянц), так что со временем, был найден компромисс – всё же у нас был канун перелома ценностей, вот самый пик, а англичане согласились, что также грядут новые времена, так что пусть экспериментируют – но свой контроль всё же проекту придали, в лице его куратора Дэйва Эдвардса (его влияние было всё же полезным; так как он подгонял наших, привыкших не торопиться, отчего мы всё же, вопреки всему, уложились в сроки).

Ну, и получилось разнообразно (в целом, получилось 12 эпизодов): тут тебе и классическая (и у нас, и у англичан, почти что национальная фишка) кукольная анимация, рисованная техника и даже живопись по стеклу.

Укрощение строптивой, кстати, сильно напоминает сказку о Короле-Дроздобороде: брюнет сватает девицу с неподобающим, дерзким поведением – а после она постепенно перевоспитывается, становясь кроткой и благонравной. Но всё же, слишком тут она быстр сломалась – погнобили её немного и ещё в начале, она слова не могла сказать.

Комедия, ничего лишнего, персонажи в тему, разве что Катарина быстро как-то стушевалась перед Петруччо, когда как обычно, в экранизациях, стояла на своём до последнего.

Зимняя сказка даже детализированней чем Укрощение строптивой – и более шикарно выглядит. Это действительно сказка, вполне масштабная по кукольным декорациям, атмосфере. Это не в укор Укрощению строптивой – там масштаб был проще, легче и комедийней. В случае Зимней сказки, всё обставлено так реалистично, что порой глаз обманывается и кажется что всё это живое, а не кукольное.

LOL, жена короля Леонта – Гермиона, что будет забавным для фанатов Гарри Поттера. В Богемии живет принц Флоризель – ещё хохма.

Ещё одна история, когда ревность портит буквально всё, отравляя жизнь самому ревнивцу (опять же – Италия) так и другим из его окружения. Король Сицилии ̶К̶р̶е̶о̶н̶т̶ Леонт тут показан ещё более упертым, чем мавр Отелло, которого лишь подбили на мысли о измене, и он прислушивался к словам и сомневался. А тут король долдонит и долдонит – жена неверна, слуги неверны, всё ложь!

Ещё со времён греческих мифов Аполлон был мстительным, если под его покровительством замешивалась ложь и недоверие – и карал всех подряд, чтобы прониклись. Что интересно, дух у сказки тут греческой трагедии, но антураж более позднего века, судя по костюмам и архитектуре. Ну, Сицилия всё таки, наследие.

Жаль, что сказочная картинка мульта пошла на довольно мерзонькую сказочку, однако не так всё плохо – ближе к концу. Лица кукол порой вызывают чисто эстетическое удовольствие – той же проработанностью. Но в целом, получилось сумбурно и скомкано – видимо, чтобы ужать в 25 минут – и некоторые моменты остались за кадром, лишь проговариваемые рассказчиком.

На мой взгляд, стандартной получились лишь Ромео и Джульетта (Ефима Гамбурга – тут вообще перечислять замучаешься – Ограбление по…, Голубой щенок, Шпионские страсти, а за стиль ответственна Наталья Орлова, приложившая руку и к Тайне третьей планеты).

Разве что я заметил, что один из глав семейств неуловимо похож на профессора Верховцева – влияние той же Натальи Орловой.

А один из эпизодов рисовал Роберт Саакянц – уж его-то стиль ни с чем не спутаешь… Однако творчество Саакянца всё же надо было применять осторожно – армянские сказки это для него было своё, родное, но и там он несколько исказил визуал под привычный себе стиль, так что его применение нужно было в отвязных проектах, а не в суровой классике – скорее в мультах, поддерживающих авангард. Ну ладно, ̶и̶с̶п̶о̶р̶т̶и̶л̶ нарисовал один мульт по своему – и ладно; всё же он был тогда почетным и авторитетным (пусть и вечно скандальным аниматором, из союзной республики).

…и Макбет – очень сюрреалистично и мрачно получилось. До сих пор из детства возникают эти лица – и смена теней и полутонов (тогда его смотрел со мной мой дед). Также люблю этот мульт – своеобразный, мрачный чисто по-английски, почти хоррор средневековья. Речи оттуда… “Пока не двинется наперерез Бирнамский лес на Дунсинанский холм” и “Зачем киваешь головой кровавой”… Мурашки до сих пор.

Всё таки мульт выглядит необычно, новаторски, а в таком виде сам Макбет, да и некоторые другие персонажи, особенно его жена, выглядят просто демонически (эффект зловещей долины), но к мрачной драме средневековья такой стиль вполне подошел.

Кроме того, смотря Макбета, я думал, где же я видел эти переливы одежды, светотени, лица – а потом меня осенило: примерно такой же подход был в “Перевале” В. Тарасова – тогда это было модно и новаторски. Опять же, с людей рисовали, обрисовывали, если точнее, поэтому такая картинка – вроде бы и неестественная, заторможенная, но пластика лица все же живая.

Кроме того, действие происходит в Шотландии, так что там полно всяких Маков: МаБет, МакДуф.

Что интересно, но Терри Пратчетт довольно узнаваемо, но на свой манер, пересказал того же Макбета – в своих Зловещих сестричках. Кроме собственно книги, есть экранизация, довольно неплохая – 1997 года. Зловещие сестрички и Роковая музыка – хорошие, достойные экранизации, по крайней мере, мультипликационные, которые вообще были сняты. Чуть криво, в духе конца 90-ых, но вполне мощно получилось. Но это так, к слову.

Смотрится же Макбет как некий триллер местами, а порой и как драма – несмотря на некоторую кровавость, мужик сомневался в своих делах и мыслях (отчасти поэтому ему и сочувствуешь) – не будь пророчества, он бы и не наворотил бы такого: повёлся на обещания судьбы, настойчивая и честолюбивая жена поддержала, а задумайся он – нужны были ему такие проблемы, корона? Кроме того, окончание пророчества, всплывшее позже, сулило ему расплату. В общем и целом, красивая легенда – которая вполне подошла бы и нашему князю Владимиру с его братьями – в жизни, безо всяких пророчеств, рыцари и князья творили такое, оправдываясь перед собой и народом как могли. Захотел – сделал, так было нужно – и всё тут! И никаких пророчеств и предзнаменований!

В таком стиле можно было бы и Влада Цепеша нарисовать – образ вполне подходящий: кровавый, но умный тиран, который проливал кровь ради своих планов для страны. Кроме ведьм-сестёр – самих по себе нечеловечески-дико выглядящих (нечто похожее было с из анимэ Berserk – когда судьбу юному Гриффиту предсказывали судьбу, замаскированные под старушку-гадалку, Апостолы Руки Бога), некоторые персонажи – слуги, появляются и исчезают в поле зрения Макбета как призраки, что ещё больше нагнетает жути. В общем, сюрреализм, жестокость (одно убийство животных для пира чего стоит), кровь, мрак, поступь судьбы.

Хитро подали пророчество, ни слова неправды, однако – сказали, берегись Макдуфа, но тут же сказали – ты защищен от всех, кто женщиной рождён. Как оказалось, всё дело в деталях между строк…

Кроме того, один из персонажей оттуда – Макдуф, имел сходную со мной черту – он родился не от смертной женщины – и смог поразить тирана (которому всё же немного сочувствуешь – и вообще, по канонам это произведение не зря называлось Леди Макбет, ибо начались все эти разборки с её подачи), которому предсказали, как водится, двусмысленную, каверзную смерть “не от руки рожденного женщиной” – а тот, Макдуф, оказался кесаревичем – появившимся на свет с помощью кесарева сечения, вырезанного из живота матери ножом. ̶Н̶а̶з̶ы̶в̶а̶й̶т̶е̶ ̶м̶е̶н̶я̶ ̶т̶е̶п̶е̶р̶ь̶ ̶М̶а̶к̶д̶у̶ф̶ф̶и̶н̶… Ох уж эта смерть Короля Назгулов, с его оговорками…

Также – Учите термины: таны – правители, звание тана\князя Кумберлендского, файфы – земли лорда.

Также классическое, из Макбета: кто мог подумать, что в старике окажется столько крови… Или конец, конец, огарок догорел…

Double, Double, Toil trouble – кроме того, в дубляже это подано лишь отдаленно, но ведьмы-сестры поют известную ведьмовскую (хэллоуинскую) песенку , которая в Англии на многие века будет ассоциироваться с ведьмами и их котлом.

Режиссер Макбета – Н. Н. Серебряков, а аниматоры – Владимир Морозов (Каникулы Бонифация и поздний, грустнейший его – Лев с седой бородой) и Ильдар Урманче (общий с Морозовым проект – Притча об артисте. Лицедей – видно, что именно тогда они решили попробовать нечто новое, отчего и применили потом в сборнике, хотя он раньше специализировался как раз на кукольной анимации). Тут была применена манера ротоскопии; также ему принадлежит чуть менее драматичный, но такой же сюрреалистичный Отелло, из того же сборника.

А вот Отелло получился чуть помягче, а мимика и антураж, как мне показалось, немного напоминают персонажей из мультфильма Синяя борода. Также любопытно, что Шекспир показал (как в Отелло, так и в Ромео и Джульетте), если и чуть преувеличенно, что всё же нравы итальянцев: любят со страстью, а чуть что – сразу в драку. В общем, пылкие люди. А англичане у Шекспира, люди большей частью, склонные к самокопанию, порой более хладнокровные и расчетливые.

Честно говоря, история блондинки и мавра выглядит экзотично, но опять-таки показаны чувства и страсти – и им подвержены все без исключения (это и хитрого Яго касается, со своей ненавистью).

– И потом не говорите, что пошлО во вред шекспировским историям авангардистский, новаторский тот стиль, что дико хорошо передал ту мрачность его произведений, что писаны им были на века.

Ричард III (Наталья Орлова, и ещё у неё же – Гамлет) неплох по-своему, как и короткий и ёмкий Юлий Цезарь. Сон в летнюю ночь Саакянца – эх, все же надо было другого поставить, всё же классика…

Что сразу видно: даже Макбет так не начинался – просто и сразу в лоб – брат Эдуарда, Ричард Глостерский был переполнен ненавистью. Экспозиция, сразу – злодей. И дальше всё круче – злодейский путь, озлобленный горбун. А как же неоднозначность? В общем, как театральный злодей Ричард вышел отменным, но слишком уж нарочитым, хотя этот король как раз был весьма неоднозначным человеком, просто ему не повезло быть в то время, собрав на себя все шишки. У Шекспира получился какой-то политический памфлет, заказ, ибо другие короли не удостоились его внимания, по сути своей, массированного чёрного пиара, как Ричард III. Если покопаться, нашлись бы и другие короли, у которых подсидок и махинаций было не меньше, но почему-то про них не сложены саги их злодеяний, в вот Ричарду Третьему “повезло” – зато помнить будут! Визуально, кстати, Ричард как раз походит на В поисках Олуэн.

– Я мёртвых дядей не боясь! – ответил принц (про призрака из Тауэра). Злой тролль Ричард III: – Живых, надеюсь, тоже? – с хитро миной Ричард вопрошал.

Также он породил мем – Коня! Пол царство за коня! ̶х̶о̶т̶я̶ ̶э̶т̶о̶ ̶н̶е̶т̶о̶ч̶н̶о̶.

А виноваты во всем оказались Йорки и Ланкастеры!

В Ричарде всё нарисовано неплохо, но чуток странным выглядит замороженная мимика и движения: ̶г̶л̶а̶з̶а̶м̶и̶ ̶л̶у̶п̶а̶ю̶т̶ ̶рот и глаза открываются и закрываются с запозданием (много статичных персонажей и планов – в результате, у неподвижных персонажей часто движутся лишь глаза и рот), кадров маловато, но зато всё это играет как бы на театральность, акцентируя внимание на эмоциях. Много худощавых рослых фигур и бледных вытянутых лиц. Ну, стиль такой.

Юлий Цезарь более стандартен, без изысков: драматичен, величественен и прост. Много театральности, пафоса. Нарисовано более мягко, и создается ощущение как раз приземленных людей – без призрачно-демонических черт, как было в Макбете – и от этого драма Цезаря сильнее выглядит. Хотя, между делом, напичкали картинку всякими мистическими чертами и символами. Цвета не такие мрачные, яркие, даже ночи спокойные, не тревожные, как в том же Макбете.

Брут тут всё же показан сомневающимся и человечным, и по сути, он тут главный персонаж. Не злодей какой, а если и Иуда, то добровольный, на благо дела, с другими, ̶п̶о̶д̶н̶я̶т̶ь̶ ̶Ц̶е̶з̶а̶р̶я̶ ̶н̶а̶ ̶н̶о̶ж̶и̶.

Из ревности к общественному благу – приписали Бруту его мотивы.

Цезарь им всем, сенаторам, и римлянам в частности, был как бог-отец, а Брут – один из любимых сыновей, приемник. После смерти Цезаря драма не закончилась, а продолжилась – радостей от “свободы”, пришедшей от смерти “тирана”, никому не принесли.

Как и многие древние культуры, римская, сродни японской, сильно была замешана на долге, чести, политике и войне, а также почти что ритуальному самоубийству – если дела были плохи, гибло дело всей жизни и прочего. У одних харакири, у римлян – нечто похожее. Так было и тут, неоднократно.

Брут: Ведь зло переживает людей, а добро погибает вместе с ними.

Конечно, по отдельности, эти мульты и сами по себе, раздельно, порой не очень впечатляют, но лишь когда смотришь их вместе – идеи одного человека, но изображенные разными стилями, да и сам по себе темп повествования, и то и дело разный временной антураж – времен и нравов, все это создаёт такое разнообразие. Опять же, сравниваешь произведения, жанры – и стили их подачи, порой отходя от мрачной трагедии к весёлой комедии – и наоборот.

В силу исторических обстоятельств Британия и Испания были конкурентами на море, а вот Италией многие восхищались, в том числе и литераторы – и вообще, Ренессанс и всё такое прочее, центр тогдашней культуры. Как и сказочница-писательница, англичанка Диана Уинн Джонс не удержалась от реверанса в сторону итальянских сказок (их и моя мать любит – до сих пор потрепанная, распадающаяся книжка, второй половины прошлого века – итальянских сказок, дома лежит), написав Волшебники из Капроны – так и Шекспир не обошел эту тему, написав Укрощение строптивой, Ромео и Джульетту, Зимнюю сказку и Отелло. Романтизм давала Италия, а вот прагматичность, мрачность – большей частью туманные берега родной Британии.

Буря.

Режиссер – Станислав Соколов, а постановщик-художник – Елена Ливанова: получилось неплохо, кукольная анимация не уступает другим сериям, а стараний было много, жаль, что серия не вместила все события, отчего вышла как бы “со вторых слов”.

Мистификация, фантасмагория, экзотично выглядит. Реже экранизируема. Одна из последних работ Шекспира, когда он внезапно ударился в мистико-фэнтези, сама по себе странная и необычная, противоречащая более ранним, логичным и прямым, работам автора.

Напоминает некую историю из Греции – со своими, если не богами, то элементами фольклора: дух Ариэль, выглядящий как заправский панк Калибан-горбун (местный Голлум) – и мистическо-магическими силами самого мага Просперо. К сожалению, и тут пришлось ужимать сюжет, так что мы его видим его как бы с середины – маг Просперо со своей дочерью и магическими книгами оказываются на островке, ̶м̶и̶м̶о̶к̶р̶о̶к̶о̶д̶и̶л̶ мимо проходил корабль с недругами, некогда изгнавшими его с родной земли. Просперо решил по-хитрому восстановить справедливость. Куце, но для сказки сойдёт, тем более, что в комментариях рассказчик нам кратенько обрисовывают экспозицию.

Добротно сделаны куклы, особенно удался сам Просперо, да и другие не уступают, также есть море, корабль, сильно поработали над островом, окружением, зеленью и скалами. Поэпичнее и чуть масштабнее выглядит, чем Упрощение строптивой, но пожалуй, чуть уступает Зимней сказке.

Гамлет.

Режиссер Наталья Орлова, а постановщики-художники – Наталья Демидова, Пётр Котов. Эпизод получился мрачным, суровым – и женским, и мужским персонажам уделено примерно равное время.

Среди рисованных серий, пожалуй, самый шедевральный и мощный эпизод – не будь тут как бы отстающей, тормозящей анимации (и кадров маловато, потому на стоп-кадре порой сливаются движение из одного кадра и движение из следующего).

Но сама картинка Гамлета мрачная, вплоть до декаданса, стильная: мрак, холодная полутьма – и желтоватый свет. В статике сильно видно – каждый кадр как картина, в движении уже не то, чуть неестественно (но опять же создаётся ощущение театральной постановки: как бы присутствуют сцены из жизни – и театр, это сложно передать словами, нужно видеть) но всё же…

Создается впечатление, как о фотографической кинохронике – словно фотограф (или живописец) запечатлел всё основные события трагедии Королевства Датского.

Гамлет, куда уж мрачнее выглядит – как тот же Ричард III, но в отличие от плавающей и ускользающей канвы сюжета оттуда (Ричард злодей, какая тут интрига?), тут всё предельно четко и выверено – как-никак Гамлет – драма проверенная временем. В общем, тут этот стиль, несмотря на некоторую заторможенность анимации, очень сильно играет на драму и общую мрачность Королевства Датского. Сурово, персонажи хорошо нарисованы, просто с фотографической точностью и детализацией.

Намеренно или нет, но Гамлет отчасти почему-то напомнил В. Высоцкого, тем более что и типаж такой по истории. Да и сам Владимир Семёнович, в свое время, сыграл и эту роль в театре, и блистательно – так что по традиции придали ему образ актёра. В общем, получилось мощно.

Смотрится как классика высокого уровня, самый мощный эпизод в этом сборнике, и неудивительно – Гамлет издавна считается одним их сильнейших драм (правда, не включили в сборник Короля Лира, который также примерно на том же уровне, играющий на драму – но это была бы уже наверное 13-серия, так что пусть…)

Вполне логично, что последним, 12 эпизодом, идёт 12-ая же ночь. Впрочем, это было потом, потому что у трёх сезонов был свой график, по которому они строились. Это потом их расположили в порядке удобства для зрителя. Первоначально же, выходили блоки из трети серий – первый, потом второй и третий, со своими номерными сериями.

12 ночь (или же – Что угодно).

Режиссер Мария Муат (и постановщик-художник Ксения Прыткова) – отчего эпизод получился изрядно изящным, женским что ли, легковесным – впрочем, это пошло на пользу делу, ибо романтическая комедия.

Классика, легкая и забавная, неоднократно экранизированная, порой даже в необычном ключе (например, фильм Она – Мужчина 2006 года). Некоторым конечно, больше по душе фильм режиссера Яна Фрида 1955 года – который наше всё, и наряду с классической же советской Золушкой, стал золотым хитом тех лет, да и десятка-другого последующих.

Тот фильм был нарочито ярким – тут же более умеренные тона, опять же контаст с Укрощением строптивой, где не жалели цвета и праздничности (и праздности). В общем, всё умеренно – и от этого обиднее всего – 12 ночь мне с детства нравилась, и экранизировали её неоднократно, а тут как-то серо-скромно что ли, всё ещё достойно, но словно умеренно во всём.

Кроме того, времени, что было в фильме, хватало на раскрытие персонажей со всех сторон, тут же опять клятый хронометраж ограничивал, поэтому в этом эпизоде, как и в некоторых других, были опущены некоторые события. Порой просто рассказчик коротко проговаривает кто куда пошел и что случилось. Зато лаконично получилось, без растянутости. Это касается и некоторых других работ.

К сожалению, как мне показалось, качество фигурок тут немного уступает другим кукольным эпизодам из этой серии – или просто выбрали такой дизайн, все вытянутые, а лица чуть грубоватые (обычно аниматоры маскируют движущиеся челюсти кукол и прочее, тут же попадаются грубовато сделанные – у второстепенных персов, у основных всё норм). Но одежда детальная, лица слегка вытянутые, как и тела – это бы сошло бы за общий стиль кукол, но ножки у них коротковаты – и в нижней части это видно, и режет глаз. Наверное, анимировать длинные ноги было затруднительно, потому и выглядит это чуть неестественно-длинные руки и туловища и короткие, чуть согнутые ножки. Впрочем, у некоторых дам это скрыто платьями, но все равно видны нарушения пропорции.

Но это я придираюсь, на самом деле, просто я был уже воодушевлен яркими Укрощением строптивой и Зимней сказкой, а тут явно подход был попроще – однако те же костюмы и декорации вполне детальны, что похвально. С другой стороны, это же играет и на комедию – эти короткие ножки довольно комичны. Буря не отстаёт, но там природы острова проработаны просто до панорамности. Скажем так, 12 ночь – самая скромная, но и хорошая работа – с куклами и декорациями; правда, опять-таки пожалели чуток красок – то же Укрощение строптивой выглядело ярче. Впрочем, Буря выполнена в том же ключе, а вот Зимняя сказка ближе как раз к Укрощению строптивой, но выглядит как самая дорогая и кропотливая работа кукольной анимации.

Как то сразу видно – костюмы и история иностранная, но куклы, их лица, советские, родные нам, узнаваемые – стиль уходящей эпохи кукольной анимации, так что это греет душу.

Забавный подход – дали певцу пропеть песню в оригинале, а потом дали перевод, как бы давая и оригинал услышать – и наше переложение, так сказать вдогонку. Впрочем, так часто делали, когда экранизировали какую-нибудь классику, а там были песни на иностранном.

История задорная, и придираться к кукольной анимации как-то не хочется. Забавная история, приличные декорации. Нормально. Фильм конечно красочнее, но и ресурсов там было положено немало.

Чертовы ̶т̶р̶а̶н̶с̶в̶е̶с̶т̶и̶т̶ы̶ травести – наперереодевались в противоположное, все друг в друга повлюблялись, а потом пошло-поехало: ах, ты же парень – а ты девчонка – я думал наоборот! Тогда эти переодевания были забавными, а порой переодетая для участия на войне девушка была нечто вроде легенды (кавалерист-девица Дурова или Жанна Дарк – если по простому, как она звалась без титула). Переодевания в произведениях (особенно в японском анимэ, где мужики часто переодевались дамами) носили обычно комичный и несерьезный характер, а не как сейчас – зверино-серьезной настрой не пойми чего. Хороший, забавный представитель старой школы – В Джазе только девушки 1959 года.

Сокращения не пошли на пользу – как бы три сценки, то, что Упрощению строптивой удалось более гармонично, тут выглядит куцей. Вообще, это беда всего сериала – некоторые серии вполне самодостаточны, а некоторым все же бы не помешал увеличенных хронометраж, ибо событий за кадром осталось ещё предостаточно. Но у сериала были свои правила, как мы помним, так что сошлись на краткости и лаконичности – главное заинтересовать, а там и по желанию, с первоисточником ознакомиться можно.

О озвучке и переводе.

При озвучке рекомендуется заправским шекспирофилам смотреть с оригинальной дорожкой – чистый, оригинальный английский язык, порой даже с акцентом – в эпизодах за Италию, звучит мощно и в тему. Наше же озвучка, накладываемая на оригинальную, как бы бежит почти за ней вслед, но чуть менее выверенная и чёткая, мягкая что ли – зато как бы с нашей стороны, превозносит наш же, русский колорит и смысл в речь оригинала. К сожалению, несмотря на следование рифме и прочему, порой точный смысл оригинала немного искажается: всё-таки для англичан тексты первичны-неизменны, а у нас, при переложении и переводе, возникает ряд удачных и не столь, общих вариантов перевода; обычно берется некий классический и самый распространенный вариант – и обычно не всегда прям точный.

Например, стих The Tyger англичанина же Уильяма Блейка тот же К. Бальмонт перевел так, другие уже по другому (по моему, аж 8 вариантов) – существует несколько вариантов и все хороши по своему! Вот это эталон, разнообразия перевода одного по сути первоисточника. А тут в сериале, выбрали наиболее простые, упрощенные и понятые, не слишком перегруженные варианты перевода – напоминаю, что хронометраж был сильно ограничен – и не забываем о липсинге, сжатии слов в соответствии с анимацией лиц персонажей.

В общем, даже на слух, полуслыша оригинальную дорожку, уже слышишь что было в оригинале, и что наши немного по-другому это перевели. Но не страшно, англичане получили, что хотели. Мы же получили почти то же, но в чуть более адаптированном и сглаженном виде.

Итоги.

Ещё заметка: если смотреть кукольные советские мультфильмы тех лет – 90-ых и ранее; то замечаешь, что аниматоры как могли, старались в каждый превознести один символ – море и корабль. Они есть в ряде мультфильмов с куколькной анимацией: Остров капитанов, Белая цапля, Буря, Чёрная курица, Прекрасная Маргарет и Черри-Флей, ещё в ряде других. Это этакий талисман этого жанра – показать воду, небо и корабль, символизирующий путешествие, равно как прибытие домой, так и жизнь, вечное странствие из порта в порт… Тут эта традиция неоднократно соблюдена.

Что ещё сказать? Сборник прошел по более чем 50-ти странам, получил множество наград и поощрений. Увы, для нас это был последний, можно сказать, великий и плодотворный проект – ибо потом, российская анимация уже как-то во многом потеряла былой советский задор и закалку, снизив темпы производства ̶п̶о̶т̶р̶е̶б̶л̶е̶н̶ь̶е̶ ̶в̶о̶з̶р̶а̶с̶т̶а̶е̶т̶ ̶-̶ ̶а̶ ̶п̶р̶о̶и̶з̶в̶о̶д̶с̶т̶в̶о̶ ̶о̶т̶с̶т̶а̶ё̶т̶!̶ (и да, особенно обидно было за гениального Давида Черкасского, дело у которого совсем заглохло, и он переключился на рекламо-ролики).

Все равно, усилия такой кропотливой работы были налицо, и были вполне хороши для 90-ых. Да и сейчас смотрятся неплохо – просто про этот, так сказать проект, уже изрядно подзабыли. И раньше крутили мультфильмы из этого сборника. Но потом это было всё реже – чаще стали показывать иностранщину, да и современные мульты. А такой проект – не просто мульты, а анимированный эпос, так что весь специфическая, и потому его крутили намного реже, порой отдельными историями. А ведь вся сила была в общем массиве сборника – когда смотрел серию, одну за другой, сравнивая разные стили и манеру подачи, разные сюжеты и жанры – от драмы до комедии, от исторического до фэнтезийного – то и контраст между ними был огромен.

Не удержался, все же и замолвил слово за наш проект, так сказать, последнее слово, что мы сказали – до начала нового века. Далее пойдут другие проекты, наши там отчасти будут участвовать, но мало, но в целом, антологии будут все равно этакой дружбой народов – объединение мультиязычных групп людей, под одной идеей, но с разными подходами к стилю рисовки и подачи. А закончу я, как всегда невпопад, вернувшись к самому почти что началу…

Вернемся к антологиям. Так вот, как я заметил, у нас такие сборники на грани феномена (ну разве что Ералаш и Карусель), США же и Европа более охотно тянутся к созданию всяческих анимированных, – кино (и театральных даже) сборников и антологий – но не последнюю очередь большую роль играет и то, что у них самих есть куча тем – комиксов и книг, которые могли бы быть экранизированы; однако, несмотря на желание и энтузиазм, такие проекты требуют больших средств – и не в последнюю очередь – таких ресурсов, как труд аниматоров, организаторов, сама по себе подготовка и процесс, а также после (да и во время продвижения проекта – надо же показать, что же делается-творится на рассмотрение публики) – какой-никакой маркетинг, продюсирование.

В общем и целом, если такой проект проваливается – то это катастрофа; но обычно, вложенных трудов и усилий хватает, чтобы о нём помнили, и закономерно, что появление одного такого сборника готовится, грубо говоря, за 3-4 года, а по факту – лет за десять до выпуска; прибавьте подогревание темы, сбор материалов – и что немаловажно – когда умы человеческие захотят увидеть произведения по этой теме. Поясню на примере – до появления “Матрицы” как феномена (может быть, излишне переоцененного, но надо признать, в своё время очень даже прорывного и громкого) был киберпанк как таковой, а далее по цепочке в прошлое: недалёкий по времени от нас Призрак в доспехах, ещё ранее – Бегущий по лезвию бритвы, который уже основывался на “Видят ли электроовцы сны?” Филиппа Дика, а начало идёт от К. Чапеку, а быть может и Жюлю Верну, с его механикой. Оценили?

Так или иначе, тема зрела, время от времени она будоражила умы людей, подготавливала их, и нужен был лишь очередной, надо отметить, прорыв, феномен, чтобы люди захотели увидеть-почитать больше по этой теме.

Поэтому раз ужа начали с Матрицы, то и продолжим – начнём с неё, вернее с того продукта, который закономерно, пусть и не в обычном формате, появился после феномена фильма Матрица. Первый фильм неплох (последующие фильмы – лишь развитие общей идеи, и несколько более слабы по эффекту, а последний так вообще больше разочаровывает местами), но больше идёт в зрелищность и всякие псевдо-философские идеи бытия (хотя логичная идея – где реальность, а где иллюзия, и быть может иллюзия в иллюзии – вполне закономерны и здравы в этом ключе), кроме драк и перестрелок. Тема была на слуху, и потому породила такой проект, как создание, даже не единичными аниматорами, а целыми их группами, подготовки и осуществления темы Матрицы: разнообразные взгляды со многих сторон, смешение стилей, манер исполнения, разных идей и взглядов – и это относится не только к одному проекту, а ко всем антологиям. Итак…

̶А̶н̶т̶и̶м̶а̶т̶р̶и̶ц̶а̶ Аниматрица (The Animatrix) (2003).

Самый, пожалуй, амбициозный проект, в канун середины 90-ых. Смешали много жанров. Мне не зашел только эпизод-анимэ За гранью/За пределами – очень уж он пастельно-мягкий по цветам – и отстраненный от основной темы, детский и не вписывающийся в мрачноватую Матрицу. Автор – Моримото Кодзи, казалось бы – Магнитная роза 1996 года из Воспоминаний, его работа – а тут такой стиль, совсем неглубокий.

Также Последний полёт Осириса (на самом деле – Последний бой Осириса) – тоже графона много, но смысла мало (писали сценарий к нему сами ̶с̶ё̶с̶т̶р̶ы̶ братья Вачовски, а режиссером был Энди Джонс) – и скорее “компьютерный” визуал поставлен во главу угла больше, чем общий ключевой смысл и сюжет. Однако, по крайней мере, Последний полёт Осириса немного добавляет к общей истории Матрицы, так сказать, побочный, но логичный результат – раз уж мы взялись говорить о Матрице, то почему бы не пофантазировать на тему эпизодов, быта и некоторых тонкостей этой вселенной.

Доходило до смешного – в очень коротком эпизоде История парня, рассказывалось о чуваке – Майкле Карле ̶П̶р̶о̶п̶п̶е̶р̶е̶ Поппере, как он прорвался в Матрицу – когда осознал, что что-то тут не так – и сиганул с крыши. Эпизод в отрыве от Матрицы ничего не значит, он к ней привязан, а без этого эпизода многие лишь удивленно смотрели на появление этого персонажа во второй серии – а кто это?! – когда он говорил Нео, что он его знает и что наконец-то они встретились в живую. То есть, вторая часть, в отрыве от эпизода из антологии, провисает по части этого перса. В общем, антология порой даёт развить идеи и персонажей (и идей), которые были в оригинале в тени, и не раскрыты. Автор – Ватанабэ Синъитиро, подаривший нам Ковбоя Бибопа, Самурая Чамплу и Космического Денди – но тут он выложился не по полной, так сказать, поучаствовал, хотя мог бы больше.

Это выглядит издевательски, но на такой проект не позвали Мамору Осии, а ведь его Призрак в доспехах сильно повлиял (плоть до некоторых моментов, стиля, антуража и цитат) на саму работу братьев Вачовских – Матрицу. Как минимум, Мамому хорошо бы отрисовал машины и технику, да и персонажей, но в своём ключе. Впрочем, наверное мэтру и не стоило напрягать силы для заведомо малого эпизода из Аниматрицы (хотя сам он, по своему почину, нередко выпускает компактные и выверенные микро-зарисовки, про людей и технику).

Туда же про бегуна (Мировой рекорд) – как по части визуала, крайне необычного, он подаёт взгляд на Матрицу с более мирской точки рения, обывателя – спортсмена, превысившего некий предел восприятия. Тут даже не сила ног ощущается, а сила воли, заставившая бегуна прорвать пелену иллюзии. Довольно сильный эпизод, ёмкий и короткий. Рисовка тут особая, к ней причастен Такэси Коикэ, когда как сценарий подал Ёсиаки Кавадзири.

Вообще, во многих эпизодах царит даже что переизбыток символизма и образов – с другой стороны, они просты и наглядны, а для сравнительно коротких эпизодов они являются маяками тех тем, которые они поднимают. Так что зачёт.

На его фоне, более блекло, ибо нуар, выглядит Дело, которое всё закончит\Дело подводящее итог всему… (Детективная история\История детектива) – мне он тоже понравился – особенно финал, да и стиль тоже – нуар, свет-тень, мрачно, действительно в духе детективов прошлого. Забавный кот детектива, кидающий ему шляпу. По визуалу – шикарно, но сценарий простейший. Он более простой в исполнении: ещё один день из жизни Тринити – и ещё одного обывателя местного мирка – нуарного детектива, тоже на время вышедшего за рамки обыденности. Вот тут Ватанабэ Синъитиро хорошо себя показал, дав ёмкую и шикарную по-своему работу.

Небольшая заметка – видимо, дело было до Матрицы, которую мы видели, и это была ранняя версия Матрицы – с “отсталым” временнЫм антуражем, несколько более спокойным и менее новаторским, хотя агенты тут всё такие же.

Но антология также даёт такой эффект, когда одним нравится одно, и не слишком другое, а вторым наоборот, другим – еще что-то – нет практически однозначных оценок, чем и ценна подача разнообразия поданных стилей и идей. Но обычно, самые сильные эпизоды видны сразу и не вызывают противоречий – плохой он или хороший – после них обычно бывает буря эмоций, что отпадает вопрос – проходной ли это эпизод.

Крутое – отвал башки, пронзительное и пафосно-горькое, да ещё в двух частях произведение, за авторством Михиро Маэда – Второе Возрождение (Второй Ренессанс, даже в двух частях) – наверное, самый любимый у меня эпизод– и это несмотря на сходную с Терминатором идею войны с машинами – тут люди показаны не с лучшей стороны, а машины просто приспособились к условиям, которые породили люди, стремясь повергнуть машин – в дальнейшем, после победы – по сути пирровой: люди проиграли, но и машинам нужно было как-то существовать, искать источники энергии – из-за потери солнечной энергии – в результате провернутой людьми Бури во тьме, зачернения неба.

Машины навязали людям насильственный симбиоз человек-машина, хотя ещё логичнее было бы порождение расы киборгов – слияние людской плоти и мозга – и техническо-механическо-электронной стороны машин (как например, в фильме 1999 года Вирус).

В общем и целом, немного навевает мысли об роботах Азимова: роботы – копии людей, которые и сами по себе несовершенны и неидеальны, по сравнению с первыми – но со временем стремятся превзойти создателей.

Также неплох последний эпизод Посвященный – узнается рука режиссера Питера Чунга, нарисовавшего ранее шикарный мультсериал Ион Флакс (который смотрится хорошо даже сейчас – он вне времени), тут он передал отчасти дух мира, идущего на компромисс: мир неидеален, исковеркан, но есть слабая возможность улучить его – эпизод с перепрограммированием одной машины, попытки примирить его с людскими чувствами – знак того, что машины со временем могут всё же с людьми интегрироваться, а не быть охотниками и эксплуататорами.

Сам сериал Ион Флакс намекал нам об сложной ситуации мира, где все как-то должны выживать, взаимодействуя друг с другом, где даже помощь недавнего тирана и врага (управленец Тревор Гудчайльд) даст возможность пережить крах этого мира. Только вместе мы будем сильнее! Такой же настрой царит и в эпизоде Посвященный.

Ещё порадовал коротенький эпизод, от сильно мною уважаемого художника Ёсиаки Кавадзири (автор Охотника на вампиров Ди: Жаджа крови и Манускрипта ниндзя) – Программа. Его стиль сразу узнается: тонкая белокожая, бело-гривастая женщина; мощный мужчина с тяжелым подбородком, игра с тенью-светом, много красного, контраст, красивые пропорциональные и выверено-детальные кони, самурайский антураж и дух. Немного похож дуэлью мужчины и женщины на первый эпизод Последнего полёта Осириса, но тут больше играет стиль, движение, когда как сама идея тут проще некуда – испытание, ещё один день в иллюзии – но пора возвращаться к реальности. Короткий и насыщенный, со своим стилем, очень стильный.

Так или иначе, для оценки зрителей было предоставлено с десяток неоднородных эпизодов, и в общем, сама антология породила бурю эмоций – как критики, так и восторженных отзывов. Так что не зря затеяли этот проект. И главное, успели его выпустить своевременно – ибо выйди он на 5-10 лет позже, уже не было бы такого эффекта, ибо сама Матрица с годами растеряла свой антураж, и сейчас вспоминается с ностальгией, и легким удивлением – а что это было!? Также немаловажно – Матрица Матрицей, но кроме самой темы, антология, сама по себе, многим людям дала возможность оценить руку мастеров их рисовавших – некоторые уже знали о паре-тройке аниматоров оттуда, а многие же лишь после Аниматрицы их открыли – и потянулись уже лично, к авторским их работам, оценили их (люди зашевелились, заинтересовались побочными проектами, работами художников). Это тоже ценно.

Про этот шедевр, Аниматрицу, очень критично высказался собственно Ностальгирующий критик (в основном – со скепсисом, но признал что всё равно это веха в истории), да и много кто. Это был, по сути, эксперимент – и довольно удачный: продукт труда разных людей и художников-аниматоров, организаторов, композиторов и прочих. Но такие проекты обычно готовятся как минимум десятилетие, собрав прежде урожай фанатской жажды чего-то необычного, по своей теме, да и фантастики в частности. Скажу больше, на моей памяти была парочка проектов, вышедших задолго до Аниматрицы.

В книжном мире антологии на общую тему, порой от авторов-мэтров фантастики были не редкостью. Сам по себе популярен практически всегда фантастический формат, который порождал целые сборники, от каждого из фантастов (Шекли, Азимов, Каттнер и прочие), что уж говорить о том, что иногда фантасты писали “на сторону”, уделяя по рассказу – по одной заявленной теме, собираясь под обложкой этой темы (роботы, космос и прочее).

С кино-антологиями было всё сложнее – создать малометражные фильмы по одной теме – уже стоит больших трудов: анимация же чуть менее требовательна, чем задействование живых людей для съемок, хотя лишь сейчас 3-Д и прочие технические – и просто рисованные техники, позволяют это, тогда же создание даже отдельного мультипликационного фильма обходилось как съемки фильма.

Также, могу вспомнить отвлеченный пример, когда на основе фильма вышел США-шный мультипликационный продукт, прям на волне успеха самой Аниматрицы – Хроники Риддика: Тёмная ярость (The Chronicles of Riddick: Dark Fury)2004 года – связующий кусочек сюжета между Хрониками Риддика и Кромешной тьмой – именно из него мы, наконец, узнаём, откуда же взялся косматый-бородатый наёмник, гоняющийся за Риддиком в начале второго фильма – и что сам Риддик делал в отсутствующем эпизоде, между этими двумя фильмами. Автор – тот же Питер Чанг, создатель сериала Ион Флакс, что давало Тёмной ярости крутую и необычную визуализацию.

Это пусть и не антология (к тому же с хронометражем всего лишь в 35 минут – грубо говоря, на полчаса, исключая титры), но близкая тема, когда в другом формате, но старались дополнить определенный мир, не раскрытый в оригинале. Этакий спец-выпуск, сопуствующий материал.

То же бывает и с книжками – оригинал зачастую обошёл, пропустил интересную тему – пишутся фанфики, старающиеся пояснить-заполнить эту лакуну – порой в обход авторских идей, как водится; кто как это видит, своя теория, мнение – но порой и такой подход имеет право на жизнь… Наиболее удачные “дописки, догадки и теории-идеи основного сюжета, порой становятся канонами – и их признают сами авторы франшизы, как боле удачные и приемлемые для их вселенной.

Но рассмотрим и сборники поменьше – по объему и содержанию.

Кацухиро Отомо, который и сам по себе неординарный человек-легенда (Сатоши Кон был не менее винрарен (но убийственно мало успел, к сожалению), а уж про много сделавшего для детей и взрослых Хаяо Миядзаки вообще молчу), до этого поучаствовал аж в двух сборниках – странноватый, ранний и редкий Лабиринт сновидений – и более пронзительный Воспоминания о будущем, также состоящим из трёх эпизодов.

Начнем с Лабиринта сновидений\Мэйкю: Моногатари (1987).

Бегущий человек (Гонщик будет точнее – Running man), за авторством Кавадзири Ёсиаки.

Мрачновато получилось местами – дико, сумрачно. Человек и машина слиты воедино, дикие скорости, конкуренция и жажда победы – вот уж точно Дорога Ярости! Внезапно телекинез – но и плата за эти махинации не заставила себя ждать. Своеобразное “сгорел на работе”… Всё это происходит во тьме, ночью, отчего имеет некий налёт сюрреализма. Лицо гонщика и пробегающие по нему светлые блики трека – особый символ мульта. Довольно детально прорисовано, мрачно, почти нуар-детектив, в стиле фантастов – для конца 80-ых просто шедевр, и даже сейчас смотрится шикарно.

Мне напомнило антуражем польскую короткометражку про двух летчиков – Path of Hate. Опять же – конкуренция, дикая ненависть, один путь, одна суть, по сути…

Далее – работа самого Кацухиро Отомо (самые его яркие работы – Акира и Метрополис – первый скорее юношеский, но в целом очень взрослый, а Метрополис бьёт наповал – ибо при детской рисовке, даже карикатурной, он насыщен довольно серьезными техническими и психологическими проблемами будущего) в эпизоде The Order To Stop Construction, и это едкая сатира а ля Я – Робот Азимова: доведенная до безумного автоматизма, сюрреализма и идиотии “стройка века”, куда попадает мелкий инженер. Переложив свою работу на автоматизацию роботов, люди порой оказываются в ловушке требований, которые вытекли из их же предписаний норм работы роботов… Этот эпизод мне понравился больше всего, однако я уже немного отвык от открытой концовки – порой она разочаровывает.

Этаким Дон Кихотом, мелкий инженер летит навстречу мега-роботу (средоточию силовых линий стройки) – систему не победить, остается лишь самоубийственный порыв, породненный скопившимися эмоциями и гневом на абсурдность ситуации, в которую он попал. Особое внимание стоит обратить на обстановку в стране, приведшую к такому заказу (стройке), а под конец – на её смену, также изменившую статус стройки.

Частые авторские темы – ирония, сарказм, частая тема – строительство, конструкторство, какая-то идея-фикс, перерастающая в абсурдно-гротескный культ. Узнаваемы и главные персонажи этого автора – нарочито японские, мелкие и узкоглазые, чуть пародийные – но вызывающие сочувствие и симпатию.

Отдельный эпизод про девочку – Labyrinth Labyrinthos за авторством Ринтаро. Просто калейдоскоп образов, самый короткий эпизод, но насыщенный деталями и опять же сюрреализмом. Буйный бред, фантасмагория – эпизод разбит на два фрагмента – один начинает Лабиринт сновидений, а другой заканчивает. Поэтому немного скомкано выглядит, но буйство деталей всё же спасает положение.

Неплохой сборник (по сути, это мини-сериал), и настоящая веха, как в фантастике, так и в анимэ. Можно сказать, что это была проба пера, ибо рассказы по хронометражу неоднородны, осторожны, хотя сам сборник довольно хорошо вырисован и детализирован. Этим ознаменовались уходящие 80-ые и начались 90-ые. Потом, словно выполняя уже свою десятилетку, вышли…

Memories (Воспоминания) (1996) года.

Это уже авторская работа-сборник Кацухиро Отомо. В сборник вошли три рассказа: В её воспоминаниях, Самое зловонное оружие и Город пушек (Тайхо: но мати). Сатоси Кон был тут сценаристом. Отдельно тут же постарались композиторы и Чешский филаромонический оркестр, что также является знаком хорошего выбора для проекта.

Магнитная роза – почти новелла, иллюзии, идея давно умершего человека, упрямство некоторых идей (старательно воспроизведенное программами и машинами), губительные для случайных свидетелей. Мультинациональная команда. Шикарнейшая музыка в конце (есть две версии – с саксофоном и просто: хорал и реприза).

Космические мусорщики находят пока ещё действующую станцию, на которой некогда доживала свои последние дни оперная певица. Кажется, что это мистика, но под конец видно, что тут скорее технологии, по сути, всё равно давшие эффект “призрака” владельца (человека нет, но его образ живёт и дальше), пусть и в голографической форме. Суть не поменялась – некоторые призраки не исчезнут никогда…

Японец Аосима: – Блин, мы все, даже подохнем среди мусора! – и безысходный ответ усталого русского ̶И̶в̶а̶н̶а̶ Иванова, звучащий как эпитафия: – а разве не этого мы хотели?!

Фантасмагория, дикие психологические этюды про то, что дорого (дочь Хайнса – Эмили). И это не говоря уже о, без дураков, мощном голосе певицы – в кадре очень часто обращаешь внимание на её раскрытый в пении рот, её руки – её позу, оцениваешь её красоту и некую плотность её голоса, мощь – прям представляешь, как работают её легкие и голосовые связки. В общем шедевр, но с горьким и поучительным осадком, триллер и фантастика.

Вонючая бомба\Бомба-вонючка (Сценарист – Кацухиро Отомо) – большой камень в огород контролирующих развитие военных сил Ниппонии оккупантов-завоевателей – американцев (у многих японцев это проскальзывает – и почти напрямую это же видно в Патлаборе 2: Восстание, того же Осии), да и военным Японии досталось – в общем, свалили всех милитаристов в кучу. Пиршество техники военной, незадачливый лопоухий Набуо Танаки, и в конце ироничный финал – что создавали, то и получили.

– Ну и вонь… (буквально получилась едкая сатира).

По сути, этот эпизод – злая сатира готовности к войне – и до кучи, пародия на фильмы-катастрофы, которые любят не одни японцы. Тут же стране угрожал один хлипкий парнишка, ставший носителем оружия, которое учёные-военные сами и изобрели. Особая связка союзников – Япония-США, породила мощные силы, но на что они направлены… История, балансирующая на грани био-вирусной катастрофы и комедии абсурда.

Пушечное мясо – сценарист и режиссер Кацухиро Отомо.

Милитаризм, традиционализм возведенный в абсурд, патриотизм, и до кучи – дизельпанк, что особо ценно. Опять же, классовое неравенство: местной теории артиллерии подчинены все профессии – и главный Канонир, и даже распоследний учитель, опять-таки преподающий ученикам основы баллистики. Город пушек – что очень созвучно с городами-фабриками из той же Вахи 40К. Как ни странно, но по рисовке Пушечное мясо напоминает нашу советскую, как бытовуху, так и рисовку (Браться Пилоты?).

Дед после просмотра так и сказал – это японцы нас так изобразили: чумазые, усталые работяги – всё ради оружия делаем, непонятно зачем порой (сами японцы, в годы войны и сами сидели по заводам сутками). И вообще, с некоторых ракурсов люди из того города, в особенности отец мальчика, больше похожи на зомбаков – или алкоголиков (ну ладно, на зомби-алканоидов похожи) – такие они изможденные и усталые от жизни.

Итог.

Артиллерийский город из Воспоминаний и Приказ об отмене стройки, во главе с инженером, имеют много общего, не говоря уже о рисовке и антураже. Вообще, если вы видели пару работ этого автора, то узнаете и все остальные его произведения – по рисовке и даже направленности едкого сарказма, иронии, цинизма – и печали, за некие нелепые многовековые абсурдные традиции.

Музыка сильна, и играет хорошую роль в первом эпизоде, во втором больше рулит визуал, также как и в третьем, где особенно выгодно выделятся сумрачный детальный взиуал дизельпанка, и сам по себе несущий копоть, грязь – и нездоровый вид людей, живущих в этой среде.

Воспоминания о будущем – не менее сильная веха в анимэ, надолго многих впечатлившая, и показавшая как нужно делать авторские сборники, да и зарисовки о фантастике в целом.

После США-ного простоватого звездно-бравурного контента на рынке, этот японский сборник был как флаг для зрителей – он встряхнул аудиторию, показывал силу души, переживаний, эмоции, а не просто героические потуги и приключения. Вообще, мрачное будущее часто закономерно в фантастической теме. Люди среди звезд – а проблемы те же, даже усиленные пространствами и в окружении бездушной техники.

По сути, этот мини-сборник, также как и Аниматрица, стал знаковой визитной карточкой конца 90-ых. Он показал мощь анимэ, как орудия, способного передать коротко, но эмоционально то, что закладывалось в рассказы, легшие в основу этих эпизодов.

Чувствуете разницу? – в Аниматрице эпизоды были собраны общей темой, но не обшей линией повествования; эпизоды не были связаны друг с другом, не продолжали друг друга – что давало больше простора для творчества, и меньше нареканий к возможным нестыковкам.

Со следующими примерами всё куда печальнее и сложнее. Обеим проектам был дан указ сделать в рамках полуторачасовой версии продукт, созданный из эпизодов, поддерживающих основную, одну, фиксированную линию повествования – а это сравнительно сложно, при том, что художники, а значит и стили, будут заведомо разными.

Потом вышли такие проекты, как …

Инферно (Ад) Данте – и сходный подходом, но слабоватый местами, но любопытный, то и дело меняющимися эпизодами Dead Space, но о нём позже.

Оба проекта похожи, оба развивают идею, дополняя эпизодами, от разных авторов, общую линию – был задан вектор общего происходящего, но все разбито на виденье разных авторов, потому вышло неоднородно. Причём, получилось несколько обидно – неоднозначная, вторичная (на фоне других схожих проектов) и даже скучно-затянутая игра (Dante`s Inferno) получила, тем не менее, сбалансированную и вполне мощную адаптацию (на зависть той же Devil May Cry, которой выделили аж анимэ-сериал, оказавшийся крайне унылым), а более хоррорная игра (а в ней не одна часть, а три), прославленная и снискавшая популярность, получила как раз неоднородную и мелкую адаптацию.

Поговорим сначала про Ад… Полное его название звучит так:

Dante`s Inferno: An Animated Epic. Ад Данте: Анимированный эпос (2010).

На волне успеха других антологий, также даже не оригинала, а некогда популярной тогда консольной игры – кривенькой, надо признать, особенно в сравнении с блистательной ̶М̶а̶й̶с̶к̶и̶й̶ ̶П̶л̶а̶ч̶ ̶С̶а̶т̶а̶н̶ы̶ Devil May Cry и God of War, это была попытка укрепить свои позиции, с помощью побочного выпущенного продукта к игре. Идея была интересной – даже в отрыве от самой игры-оригинала, получившийся продукт занял свое место среди других анимэ, и не самое последнее место. Хоть в чём-то устремления авторов франщизы принесли пользу.

К слову сказать, но в игре были неплохи ролики и сам антураж ада, и видно, что даже как-то обиделись на DMC – как так, взяли Вергилия и Данте из Божественной комедии, более чем удачно их реализовали, породив ценную линейку игры (сериал, правда, вышел неудачным и сухим), так почему бы не сделать игру по той же Комедии – но получилось у игроделов посредственно, ибо боевик-слэшер – хотя авторы честно старались в готику и драму (попутно напихав, по словам критиков, “кучу мерзкой эротики”\расчленёнки и мяса) – рейтинг взрослый, так оторвёмся на полную!

Ирония в том, что авторы взялись не экранировать оригинал Данте Алигьери, а более близкую нашим современникам тему – богомерзкую игру Dante Inferno. Но вышло неплохо, на удивление. Да и дух классики, на котором была основана игра, в какой-то мере, также вытягивала проект – хотя сама мысль сделать из литературного шедевра слэшер по мотивам, была довольно странной и кощунственной – они бы ещё Ромео и Джульетту в квест превратили – с дуэлями между враждующими семействами, а ля Мортал Комбат…

Но вернёмся к получившемуся анимэ – хотя его рисовали под заказ скорее корейцы, чем японцы, но выглядит он все равно как оно самое…

И хорошо, и плохо то, что стиль, а значит и рисовка Беатриче, Данте (и их родственников), и Вергилия, да и самого Ада, то и дело меняется (и сюжетные сценки и их течение меняется в зависимости от эпизода). В одном эпизоде Беатриче и родственники выглядят так, а в другом – уже немного по другому – только привык к первому облику, а он меняется в следующем эпизоде. Стили скачут от аниматора к аниматору. На Вергилия как-то не так смотришь, видимо смиряешься с его обликом, суть от него особо не меняется – проводник и всё тут, как и всё в аду – изменчивый и в то же время, при смене деталей, сохраняющий свою сущность ментора и добровольного гида. То же и с Данте – его внутренняя суть тоже особо не меняется, заданный с самого начала.

Хотя, порой подмечаешь разницу – в одном эпизоде он был качок, с широким лицом, а в следующем – исхудалый, без мускулов, с вытянутым лицом боец; а потом его облик снова меняется, не говоря уже про черты лица. Необычно и диковато все же получилось.

К этому привыкаешь, но немного раздражает. Зато изменчивость. Но всё перебивает визуал, порой очень смелый – в игре же там было море кишок, крови и сисек (местами буквально прям тыкали этим в игрока – суккубы там, или огромная Клеопатра-босс – под конец боя, вонзить в неё свой… меч, будет делом правильным), тут же всё же соблюли некий баланс, но все равно получилось фривольно, но в какой то мере и целомудренно – совсем уж лишнее не стали обрисовывать.Из оригинала же перекочевала привычка изображать Данте и Беатриче аки Адама и Еву, порой без одежды (нагие души) – ибо мотивы тут чуть ли не библейские. Кроме косы, отнятой у самой Смерти – и Креста “животворящего”, любовь и вера – не последнее оружие у Данте в арсенале… Равно как ярость и жажда искупления.

Адские твари изменчивые сами по себе – что работает в плюс всей картине: каждый аниматор, при шаблонном, в принципе, Данте, нарисовал своего “греховного демона”. В аду редко, но попадались союзники и сочувствующие.

Дьявол в оригинале-игре был мощен и харизматичен (к тому же мохнатый, да ещё с большим мужским достоинством – и не менее крупными рогами), причем у него был мощнейший голос-бас – но и хриплый голос крестоносца-Данте ему не уступал. Причем, Данте дрался с ним, вроде как осилил, надавав по рогам, но Люцифер, устав от битвы, иронично говорит ему:о̶д̶н̶а̶ ̶м̶а̶л̶е̶н̶ь̶к̶а̶я̶ ̶д̶е̶т̶а̶л̶ь̶!̶ it` dead, Dante! – ты уже мёртв, Данте – умер ещё на пути в Ад! Бессмысленны твои старания!

Тем не менее, Данте добился своего, призвав к силам Небес и использовав накопленные души, однако Люцифер оставил за собой слово в эпилоге. Тут же не стали развивать эту тему. О смысле оригинала-классики я вообще молчу, например что для воинов, проливающих кровь за благое\святое дело, есть место как в Аду, так и на Небесах (но Данте, тем не менее, до своей смерти, изрядно так нагрешил).

Скажу лишь, что в редком и штучном анимэ (надо честно сказать, получившимся каким-то недоделанным, неоднозначным всё же по ощущениям) Sol Bianca: Сокровища погибших планет, был эпизод, довольно неплохо обыгрывающий тему Ада Данте – особенно сильна концовка, а сама эта серия ценна смесью космического футуризма и почитания японцами классики человечества.

Плюс этого анимэ – несмотря на то, что в самой игре была эротика, тут её завуалировали и почти не использовали (эпизод с суккубами, в игре довольно криповыми, со своими “жалами” из чрева), этот фактор аниматоры особо не выпячивали, сосредоточившись на боях, философии и эмоциях. Усилили драму, сконцентрировавшись на любви Данте и Беитриче. И хотя рейтинг картины всё же закономерно был взрослым, шокировать сборник мог разве что жестокими сценами адских мучений (как по мне, проходить оригинал-игру, само по себе было мучением: закономерный парадокс, адская игра доставляла адские же муки, при самом её прохождении), была лишь расчленёнка и кровь. Однако Аду Данте удалось блеснуть лучше, чем игра, скомпоновав и выделив лишь самую суть трагедии Данте – правоверного воина в поисках своей Беитриче, запутавшуюся в лапах Люцифера. Даже какого-то слабого эпизода в этой цепи выделить не особо хочется.

Но надо помнить, что игра вышла, по сути, посредственной и вторичной (та же серия DMC выигрывала у неё), блеклой, и берущей всего парой-тройкой необычных фишек – в том числе той же мрачной и болезненной атмосферой ада. Также следует учитывать и то, что базируясь именно на игре, авторы все же делали реверанс и на первоисточник – Божественную трагикомедию, так что получилось мудрее и душевнее, чем в самой игре, не досказывающей многое – и выражающая, по сути, только ускользающую любовь Данте к Беатриче ̶и̶ ̶е̶г̶о̶ ̶Й̶а̶р̶о̶с̶т̶ь̶!, с которой он прорубался к ней по Аду.

Итог.

88 минут (почти полтора часа), дата выхода – 2010 год, 5 февраля (игра же вышла в 2010-ом же, но в 9 февраля), то есть, анимационный фильм должен был подкрепить успех игры. Озвучка более чем неплоха: Марк Хэммил (отец Данте), Стив Блюм (Люцифер), Ванесса Бранч (Беатриче) – последняя и выглядит в жизни как этот персонаж, которого она озвучила: стройная, просто сияющая блондинка, образец ангельской красоты. Думаю и это – выбор в качестве её на эту озвучку-роль, было неспроста – она могла бы и в жизни сыграть в фильме эту роль.

Также стоит отметить, что при всей его анимэшности, сам проект курировался американцами, а режиссеры были как из США, так и из Японии и Кореи. Одно это показывает, что стараний и разнообразия в этот проект было положено немало, что ценно. Получилось разнообразно и необычно. Но художественная же ценность сильно зависела от привязки её к игре – а она была не ахти. Можно сказать, что мульт стал маленьким вином, когда как игра большей частью – не очень удачным экспериментом.

Ясоуми Уметсу – один их режиссеров (правда, он больше был по жестким анимэ про девчонок-головорезов, но всё же, в этом проекте и требовалось нечто брутальное и взрослое), что тоже является знаком качества и внимательности к выбору членов проекта.

Занятно, что обычно работы этого автора набирали в среднем 5-6 баллов по десятибалльной шкале, а Ад Данте закономерно получил твёрдую семёрку – ну и старания других аниматоров были оценены тоже.

В общем, очень стильное анимэ, собранное из кусочков стараний разных аниматоров, также знаковый и искусно сделанный, с душой и вполне удачным сочетанием разнившихся рисовкой и стилей художников. Мульт оценили, но он не мог похвастаться большой популярностью. Скажем так, анимэ достались лавры и уважение, когда как игра его породившая, удостоилась более скромных наград и признания (и поделом – что-то в ней было, но и немало было странных решений). Наверное, Ад Данте всё же не шедевр, но любопытный и классный проект – такой вердикт будет честнее.

А далее, сходный, но чуть другой, не фэнтезийный, а космический хоррор – Dead Space. У него проблем было больше.

Открою маленький секрет – оба мультфильма (Inferno Dante и Dead Space) были созданы по заказу студии Visceral Games,которые и делали обе эти игры – и поэтому решили усилить их выход с помощью выпуска сопутствующих проектов. Вот почему они сходны – общим подходом склейки разных по рисовке эпизодов, объединенных одной темой. Висцералы как бы подогревали, подкрепляли рекламную акцию своих игр, что было необычно и даже похвально; однако, такие затратные замашки могли себе позволить лишь проверенные временем, большие игро-студии (по типу Blizzard), которые в случае неудачи могли компенсировать затраты за счёт других проектов – Visceral Games же такого ресурса не имели, и если Ад Данте вышел неплохим, то игра Dead Space за номером два, к которому приурочили выход мультфильма, была уже спорной, а последующая за ним третья часть оказалась провальной – других весомых проектов у студии не было, так что они обанкротились в 2017 году.

Кроме всего прочего, студийцы из Visceral Games пошли на откровенную дичь ещё в момент выхода игры: то чеки на 200 баксов присылали некоторым игро-обзорщикам – типа если примете деньги, то поддадитесь греху алчности, а выклините чек – это будет грех расточительства; потом коробка с непрекращающейся мелодией, которую логично было бы раздолбать ̶к̶ ̶ч̶е̶р̶т̶я̶м̶, чтобы прекратить этот эффект воздействия (это было бы проявлением греха гнева) – такое впечатление, что Висцералы пересмотрели фильм Семь… Ну и заигрывали с числом Зверя (скидка в 66 долларов 6 центов, например). В общем и целом, чудили как могли, то ли подрывая свою репутацию, то ли подогревая интерес к себе. С одной стороны это было креативно, но с другой – дико ненормально выглядело.

Да и вообще, смешение двух загробных ипостасей – мертвых и ада: Dead Space и Inferno Dante (смежных, так сказать, департамента, касающихся загробной жизни), редко кому удавалось смешать без вреда для себя – как минимум, заигрывание с этими темами вместе, вело к слухам продажи души дьяволу – пожалуй, с пользой для себя так живёт лишь Клайв Баркер – у него и Ад замешан, и мёртвые оттуда сбегают периодически (Каньон Холодных сердец и Hellbound heart\Восставшие из ада). В любом случае, адские силы выкрутасы студии не одобрили, да и серия Мёртвого Космоса/Пространства выдыхалась, а Ад Данте был сам по себе очень спорным и слабым проектом, не в силах даже конкурировать с серией DMC – и в итоге Visceral Games всё это вышло боком, в том числе и лишние телодвижения, пиар и затраты на него.

Но что же получилось во втором случае?!

Dead Space – ещё в первой части серии игр, начиная с роликов игры – болезненных, безысходных, нарочито мрачных, режиссеры то и дело пытались эту тему, “мёртвых\религиозной мистики в космосе”, развить.

Ранее выходил неоднозначный Мертвый Космос: Территория смерти (2008) – нарочито квадратно-подбородочные амер-герои, вполне неплохой антураж космоса и триллера. Дистрибьюторы – Electronic Arts и Netflix, что само по себе кое о чём говорит – и сразу даёт представление, на что настроен проект. Проходняк скорее, но финал, где начальница охраны жертвует собой (хотя некроморфы на корабле всё равно остались) довольно силён; в общем, весь финал – опять, по сути, ради него и выстраивали канву сюжета, выдвинув свою версию событий на Ишимуре (по сути, это приквел игры).

В целом, мульт вполне ничего, нарочито жесткий, но какой-то куцый (сказываемся то, что события до Ишимуры были туманными, а сам мульт также сильно зависим от игры-оригинала – там самое пекло начинается с прибытием ГГ на другом корабле к Ишимуре), понравился лишь отчасти. Но неплохо для мрачноватой вселенной DS (рейтинг 18+, ибо нарочито взрослый мультипликационный фильм – детям тут не место!).

Вторая же попытка была ещё менее удачной, хотя и более новаторской. Итак, собственно проект под эгидой Висцералов:

Dead Space: Последствия (2011).

Хронометраж – 78 минут (1 час 18 минут), дата выхода – 2011, 24 января.

Но вот другие эпизоды, несмотря на такой провал в начале и далее, нарисованы руками, так что вполне хороши и самобытны – и от этого обиднее всего – качество получилось: 80% хорошо, 20% – неудовлевторительно.

Последствия как бы проходят между событиями первой и второй части игр Dead Space. Корабль “О`Беннон”, со спасшимися членами экипажа, вылавливает местная “инквизиция”, которая пытается дознаться – что же случилось на самой планете, которую пытались попилить на ресурсы (местная циничная фишка этой вселенной), а в результате нашли некий Маркер, который и повлёк за собой жуткие события на Ишимуре. Таким образом, мульт разбит на “дознавательные” исповеди каждого из спасшихся: исповедь Ника, Алехандро, Нолана и Изабель.

Эпизоды на планете экшоновые но какие то фантастически-стандартные (почти что природная катастрофа), а вот последние эпизоды, исключая сквозной сюжет Ника и концовку, мне понравились больше всего – в том числе и по дизайну персонажей и рисовки.

Также заметочка – так как капитан Ишимуры – Кемпбелл, был персонажем с фиксированным характером и внешностью, то его разные аниматоры старались его вид подвести к одному виду, но всё равно изобразили каждый чуть по своему, придав от себя, ещё одну-две черты. Но всё равно, капитана Кемпбелла тут всё же получилось преступно мало.

Сценарий же эпизодов прост как две копейки, а собранный воедино, также тянет лишь на легкий научпоп и хоррор в космосе – немного спасает положение смесь мертвечины, религии, ужаса в космосе – проект Мёртвого Космоса всё же некоторое время успешно держался на плаву за счёт этого гремучего коктейля – этакой мрачной эстетики идеи этой вселенной.

Опять-таки, каждый эпизод мультфильма отвечает за свой отрезок времени-событий – на самой планете – и на Ишимуре, так что они закономерно слабовато друг с другом вяжутся, но визуал спасает дело. В общем и целом, очень неудачно выбрана центральная тема, которая в мульте и самая слабая (Исповедь Ника) – выжившие пытаются воссоздать картину произошедшего (получается что реальность – блеклая и безумная картинка, а вот сами воспоминания – яркие и живые), но другие эпизоды вытягивают картину – и этот мультфильм стоит посмотреть как фанатам игры, да и другим любителям фантастики причаститься.

В целом, получился неровный, но похвальный по уровню стараний аниматоров сборник, по одной теме. Как по мне, он проигрывает Аду Данте, немного ему уступает, но они, по сути, эти два создания как близнецы – одна тема выраженная кучкой яркий эпизодов. Рекомендую. Последствия получили от критиков и зрителей пять… баллов из десяти, и вполне закономерно – даже Ад Данте был более успешным. Ну, хоть попытались. Я ценю всякие такие побочки, которые бывали и провальными, но всё же они дали работу аниматорам проявить себя, а игре или книге, которые породили этот продукт – ещё один шанс на рекламу и реализацию.

Фанатов можно было не спрашивать – они были рады появлению такой антологии, хотя ранее вышедшие игра и сопутствующая игре Территория смерти была довольно спорными. Также, хочу отметить, что как и с Данте, мульт вполне взрослый – обнаженка, кровь, кишки, брутальность, порой безысходность, элементы хоррора и триллера.

Худо-бедно провели цепочку от нахождения Монолита (Маркера, если правильнее) на планете, далее космос, далее события на Ишимуре. Если бы не центральный эпизод, корявый и слабый, сборник вышел бы практически идеальным – в визуальном плане рисованные обычным способом эпизоды смотрятся достойно и в фантастическом плане – просто шедевр по стилистике, каждый из них. Для понимания хватит общего ознакомления с первоисточником в плане общей информации этой вселенной. Тоже своеобразный феномен – и закономерно, как и Матрица немного поугасшей (хотя игры были более удачными чем тот же Данте Инферно).

Как мы видим, так или иначе – разные рассказы, либо эпизоды по одной теме, в фантастике и фантастичных мирах, все же то и дело появляются. Рисовали, как водится, на заказ корейцы (ещё один проект с таким подходом – сравнительно недавний Netflix-овский Castlevania), под эгидой американцев.

Не особый любитель Мертвого Космоса, однако не мог не пройти мимо такого интересного проекта.

Итог.

Что самое забавное, но со своей ролью, которую пытались нащупать в Последствиях, отлично справлялись маленькие ролики-зарисовки, приквела к первой части. Они были нарисованы мастером “ужаса мёртвого” в своём жанре – отчего атмосфера игры передалась этим автором на ура: мрачно, цинично и кроваво, диковатая рубленая рисовка, искаженные образы людей и монстров. От последних слов завершающего ролика-анимированного комикса 2008 года – за авторством сценариста Энтони Джонстона и иллюстратора Бена Темплтона, до сих пор мурашки по коже – как бы подытоживая то, что творилось до событий на Ишимуре и всей серии игр в целом:

– Говорят, на войне не бывает атеистов – Хэ… После того, что здесь случилось, я бы сказал, что всё наоборот. Я оставляю эту запись, кто знает, может кто-то найдёт в ней доказательство своей веры – но я сомневаюсь. Не ищите меня – вам не понравиться то, что вы найдете…

– В игре, все под влиянием не какого-нибудь, а Черного Маркера, стали вдруг религиозными фанатиками, желающими как можно быстрее выпилить себя и других, во имя неизвестной цели – на самом деле, модной в будущем вере, Юнитологии – воссоединения отдельных частей-людей с неким целым, путём прекращения нынешнего жизнецикла. Правительство в курсе, так что концепция “власти скрывают” тут вполне востребована.-

Куда уж, после таких сильных, атмосферных игровых роликов – и при внешней упрощенности и якобы детальной небрежности, превзойти такое какой-то кусковой анимэшкой…

На самом деле – самое логичное, что можно было придумать – в виде мультов экранизировать произведения (в особенности малоформатные рассказы) знаменитых фантастов (а не пытаться снять блокбастеры-боевики, по типу Машины времени или Эффекта бабочки). Вот тут мы и видим тот же подход, разве что тему для антологии выбирают очень тщательно, беря уже проверенную тему (например, те же Звездные войны). Но бывает и так, что порой всё же происходит так, что именно рассказы фантастов строятся в антологию, как например…

Вернемся немого назад, в 80-ые.

Самый ранний на моей памяти, по крайней мере, такой фантастический сборник – Heavy Metal 1982 года  (плюс вдогонку – Heavy Metal 2000 – как отдельный фильм, сравнимый с Риддиком: Тёмная ярость 2004 года, как отдельным, но связанным с оригинальной вселенной произведением). Может, есть и более ранние, но этот я застал его, и по сути, с него вся эта антология фантастики и началось. Разные по содержанию и рисовке рассказы, взятые порой из журнала комиксов – яркие запоминающиеся, чуток безумные, и можно сказать, фантастичные. О них обеих, Тяжелых металах, я в своё время уже писал отдельно: Тяжелый Металл 1981 (Heavy metal 1981) и Heavy Metal 2000 (Тяжёлый металл 2000).

Тогдашний вин, направленный именно на взрослых любителей комиксов и фантастики. Для меня это эталонная экранизация именно журнала комиксов – пусть и вольная, не дословная, зато разнообразная, со своими правилами, духом и стилем, зарожденным ещё в 70-80-ые.

Надо сказать, что экранизировать комиксы, как и рассказы фантастов легче – уже есть визуал, на котором может базироваться эпизод, как правило, минимум текста и порой много экшена – или большой наглядности, выразительности. С малоформатными же рассказами фантастов сходный случай – визуал там выражен лишь словами автора (порой весьма скудым), зато также всё скомпоновано ёмко, коротко, сжато – и выражена основная идея автора, так что также делать из него мультфильм – дело хорошее.

И современный проект, который и сейчас имеет продолжение – обычно, в среднем, уходит минимум пара лет, чтобы выпустить такой, как мы помним затратный в плане ресурсов, времени и сил проект. Сделали то, о чем на время забыли читатели– берут зачастую малоизвестные или позабытые рассказы фантастов, всякие притчи, порой просто эпизоды выдуманные сценарием, диктованные рисовкой автора – они не менее наглядны. И уж поверьте мне – как старых мэтров, так и новых фнатастов-молодняка, есть великое множество рассказов по этой теме. Какой из них взять – это особый выбор тех, кто создавал сборник. Почему этот рассказ, а не другой – вопрос открытый, удачный ли был выбор, будет видно со временем.

Итак, антология – сначала Heavy Metal 1981 (если точнее) года, потом ряд из периода 90-2000-ых, в том числе и Аниматрица, а потом, через 15-20 лет, снова решились сделать сборник по фантастике – и не только:

Забавно, но когда я начал копать и выяснять, что же подвигло на создание такого сборника, то оказалось, что это тот же порыв экранизировать старый добрый взросло-комиксовый журнал Heavy Metal – просто там, в первую очередь и публиковались множество комиксов, основанных как раз на фантастических (и не только, а вообще рассказах разных авторов, не говоря уже о просто зарисовках по коротким сценарным идеям). В общем, если поставлена задача воссоздать на экране рассказ, то уже будет основа – в виде комикса из того же журнала, что облегчало задачу – однако все ещё стояла задача найти подходящих аниматоров, выбрать форму повествования и пересмотреть\дополнить сценарий задуманного эпизода. Так что опять, Heavy Metal, вобравший в себя (напомню, что HM издаётся очень давно, аж с 1977 года) и иллюстрированную мощь как художников, так и фантастов с их произведениями, дал толчок и к этой антологии…

Куда уж современнее, антология экранизации отдельных зарисовок. Первый и второй сезоны – последний второй, пока что. Признанный вин, дорого, но стильно, волна идей и образов, жесткий отбор историй, по сути, много экранизаций новелл – коротких и знаковых, но малоизвестных вне фантастики историй (За разломом Орла и ЗИма Блю, Секретная война и прочие).

О Любви, смерти и роботах много сказано, да и свежо предание. Ждем исчо джва года – следующие сезоны. Возродили любовь людей к антологиям. Есть два сезона пока что, и они вполне достойны, хотя весьма они затратны, как и ожидалось – по ресурсам, деньгам, и человеко-часам. Но это того стоило.

Сделаю даже проще, вывешу фрагменты тех историй, которые мне сильно понравились – другие же чуть менее, но у некоторых зрителей могло быть и по-другому.

Людям часто хочется такого необычного, собранного в кучу, разнообразного, и в то же время схожего по тематике – поэтому, сравнительно редко, раз этак в 10-20 лет, появляется такой проект, большей частью удачный и запоминающийся, как правило очерчивающий попутно ту временную эпоху-десятилетие, в котором был порожден и создан (как пример, эпизод с волками-оборотнями (собственно Оборотни) – ввели именно наболевшее, а именно войну США, и не удержались от околополитических взглядов). Негры стали почётны (но тут не забыли и китайцев, настрадавшихся за историю не меньше), через раз их делают героями историй. Другое дело, что иногда они на своём месте, а бывает что смотрятся инородно (в Zima Blue как раз к месту), как например, в Счастливая Тринашка – нарочито, мог быть кто угодно. Пожиратель душ не всем понравился, но он с моей точки зрения он клёвый, циничный и про вампиров, так что зачёт!

В другое время, такого эпизода как Тайная война, не было бы в том виде, что он был подан сейчас – ранее были популярны нацики, с их зомби-тематикой, как не забытого ещё “главного врага”, да и тут в эпизоде не удержались от чего-то похожего, правда оккультизм неожиданно приписали Советам. Но визуал а ля Call of Duty шикарен, Balalayka rulez! – довольно сильно и по драматизму.

Разобрать подробно каждый эпизод?! Это отдельная тема, много кто уже этим занимался, поэтому очень кратко пробегусь по ним. Отмечу только, что в экранизации За разломом орла есть своя тема: оригинал немного по другому раскрывает финал – Паучиха не заманивала существ в свои сети, а была сострадательной сущностью, этакой галактической сиделкой, погружающих потерянные души, потерпевших крушение кораблей в космосе, в грезы, чтобы держать их в анабиозе, чтобы они не вспомнили, что они, по сути уже, погибли, не в силах попасть туда, куда они летели или вернуться назад.

Три робота забавны сами по себе. ̶А̶в̶с̶т̶р̶и̶й̶с̶к̶и̶й̶ ̶х̶у̶д̶о̶ж̶н̶и̶к̶ Исторические альтернативы – запредельно смешная, бредовая до абсурда, вольная история о парадоках времени. Занятная история ̶Х̶о̶л̶о̶д̶и̶л̶ь̶н̶и̶к̶ Ледниковый период – вот прям хорошая, чистая фантастика (некогда даже Кинг писал такие – на стыке фантастики и странного, да и много кто). Некоторые эпизоды сильны стилем и визуалом – это тоже зачётно, но по другой категории. Порой эпизод слаб, но визуал спасает дело, обогащая скудную\простую идею сценария – атмосфера туда же.

Свидетеля разве что можно покритиковать: низкопробно, кислотно, лишнее садо-мазо; хотя идея рекурсии, замкнутости и вопроса о первопричинности занятна – просто нарочито забабахано, на зрителя – да и глаза вытекают. Йогурт – это что, шутка? Ну ладно. Многие не поняли – и не оценили. Очень знакомым кажется эпизод с лисицей и охотником: Доброй охоты – само название двусмысленно, так как есть лисица охотящаяся на людей, так и охотник, гоняющийся за ней – автор явно вдохновлялся В. Пелевиным и его Священной книгой оборотня, впрочем, тема лисиц-оборотней ещё популярна, однако сам смысл перерождения в новой форме, и долголетие вкупе с изменениями мира, всё равно пелевинские, как по мне.

Занятно то, что оба эти элемента – охотник и лиса, оба оказались пережитком прошлых традиций, уходящих-угасающих с новым веком: сын охотника, как потом и кицунэ, выбрали новый смысл жизни. Достаточно глубокий по смыслу эпизод для сборника, к тому же – дизельпанк.

Надо немного поизучать историю, чтобы понять, сколько смысла взложено в перемены в Китае в тот викторианский период, влияние на это англичан и сколько, мягко говоря, неприязни вложено, самих китайцев к ним (при том, что краткоживущий сын охотника на нежить, из этого эпизода, вполне миролюбив, рассудителен и созерцателен), после Опиумных войн: тогда становится понятна “дикая охота” лисицы-оборотня (как бы душа – пусть и молодая – этой страны, её фольклорное порождение), направленная на британцев, которые могли тогда творить на землях Китая (как и Индии) что вздумается, не имея возможности быть назказанными китайским судом… Тут это отражено вполне чётко.

Свалка – занятно, но чего-то не хватает, впрочем, довольно простенько и мрачновато-цинично. Рука помощи – спорно. Рыбная ночь – всё самое сильное в визуале содержится, шикарно. Слепое пятно – для дебюта неплохо, занятно. Костюмы – явный StarCraft напрашивается. Преимущество Сонни – ещё один рассказ, удачная экранизация, злодей походит на злодея же – одного из братьев Пендлтон, из игры Dishonored – этакий ушастый ̶н̶а̶г̶л̶и̶ч̶а̶н̶и̶н̶ англичанин.

Второй сезон (2018).

Автоматизированная клиентская служба – отсылка на бунт СКАЙНЕТ; забавно, почти анекдот. Лёд – визуал решает, идея же слабовата, мало данных. Звёздная команда – шикарно, сильно, драматично; однако к местной вселенной есть пара уточняющих вопросов – однако понятно, что что-то в этом мире не так (ассоциации – игры Bioshock и тот же Dishonored)…

Сноу в пустыне (обыгрывается Snow – снег в пустыне – альбинос ГГ) – бессмертие и робот – почему бы и нет?; вроде как слизано с концепции Стражей галактики – надо бы глубже подать материал, так как история классная, а вот антураж мы такой уже видели.

Визуально в этом эпизоде всё на отлично (как по мне – голимый Горец), но сценария тут ровно настолько, чтобы заинтересовать – и тут же закончить знакомство с это  вселенной. Немного даже грустно от такого.

Понравился эпизод с Лавкрафтом – Высокая трава – у меня возникла ассоциация с пелевинской же Жёлтой стрелой, уже самой по себе аллегоричной. По всему дому – вот вам и “рождественский ужастик”, спорно и ̶м̶и̶л̶о̶ жутко. Бункер – 100% – StarCraft , и 100% вот тут негр – к месту, да ещё с такой внешностью (помним, сочувствуем).

Напоследок – Утонувший великан, философская притча о смерти и бытии, и пожалуй, для эпилога действительно сильный, если не самый сильнейший из представленных эпизодов.

Второй сезон кажется короче, и вроде как менее значимым,чем первый, но нужно помнить, что он разбит на части – вышедший – и следующий сезон. Кроме того, вау-ффект первого сезона уже нас подготовил к следующему, вот почему второй смотрится почти что обыденным. Третий сезон ждём весной следующего года.

Оценки же первого и второго сезона колеблются от 8 до 9 баллов, так что это действительно вин, даже несмотря на критику и неоднородность смешения идей и стилей, манеры подачи и прочего: такой проект сильно зашел заскучавшим было любителям фантастики, уставшим от штампованных героев и клишированных боевиков.

Так как многие скажут про Love, Death+Robots больше меня – а я не вижу смысла особо долго разбирать и описывать наиновейшую антологию, ибо лучше самому посмотреть и увидеть, как говорится – так что дерзайте!

Косвенно, успех определенного эпизода можно оценить, если его тянет смотреть и пересматривать неоднократно. Некоторые детали раскрываются после нескольких просмотров – приятная побочка.

Третий сезон (2022).

С ним всё просто: дорожка проторена – двигаемся дальше! Учли, что второй сезон был противоречивым – по крайней мере для части зрителей. Просили трёх роботов – дали роботов, хотели ещё наемников – нарисовали. Хотят закономерно уже не разнообразием взять, так узнаванием (узнаваемые элементы), чтобы аудитории понравилось – и её удержать.

Однако, ещё со второго сезона (который, по факту, только первая часть общего эпизода – с третьим сезоном) стало видно, что при смелом и откровенном старте, Нетфликсовцы попридержали коней: убрали обнаженку, стали её избегать. Это не критично, просто если бы её изначально не было, но нет, она была ранее, а потом переобулись – а ведь заявленный сериал конкретно взрослый – но семьи тоже смотрят, а там и детям\подросткам невольно перепадает, так что… так сказать, наложили запрет на табу. Также стали прогибаться под зрительские хотелки, введя заново любимых героев или то, что мы просили (не все), элементы узнаваемости (изяшно, но в то же время грубо, и то же дежа вю – а оно и так будет, ибо эпизоды из рахных сезонов порой похожи по теме – например, те же наёмники-солдаты, тут и там) – и видимо, ещё из-за того, что второй сезон был слабым и Нетфликсы испугались за дальнейшую судьбу проекта – вот и подсуетились. Но, тем не менее, они отчасти реабилитировались – и проект движется дальше.

Поэтому образ частично перенесенный из Свидетеля (размалеванная девица) в последний эпизод третьего – про Конквистадоров, поначалу мне не понравился (опять баба размалеванная, и дабстеп какой-то начал играть), но потом пересмотрел – и круто чё, банши-серена в деле. Опять же красивый, мрачный финал.

Испанцы по истории, кстати, примечали, что индейцы золотили человека, обвешивали побрякушками – делая живым богом на день – и торжественно кидали в реку-озеро. Испанцы потом из-за этого и искали Эльдорадо…

Зомби-апок (Ночь живых мини-мертвецов) почти как Йогурт из первого сезона, но задорее. Конец заставляет задуматься. Лично мне напомнил эпилог из фильма Под планетой обезьян – вращается планета, абсолютно мертвая…

Космонавтка (Живой пульс машины) – на слезу пробило (ну почти); крутецкое гармоничное сочетание визуал+музык+слова (сравнима по наполнению разве что с Зима Блю, ну может чуть уступает). Эффект “приходов”, а атмосфера чужой далекой планеты, её кислотная расцветка, напомнила антураж игры Borderlands. Еще – частый прием беседы с воображаемым\мёртвым напарником, тоже часто применяется.

Сохранила ли героиня своё “сияние читого разума”, или это были предсмертные глюки – пусть каждый для себя решает сам.

Моряки (Плохое плаванье) – отлично, атмосферно в духе игры Dishonored, тем более что ворвань-жир, и то же время, разве что просто викториан, без панка. Самый длинный эпизод, очень-очень графонистый и атмосферный; тима, что его делала, все время идёт в мрачняк и нуар, оттуда же и вытянутые мрачные лица и антураж в целом.

Дежа вю словил от поведения капитана – он мне напомнил последнего оставшегося в живых (ненадолго) из экипажа корабля, капитана Роберта Виттерела (Возвращение Обра Динн – игра Лукаса Поупа): судно перетерпело много несчастий и остатки команды хотели расправиться с кэпом, но он всех уложил (вот тут, в этом эпизоде, прям один в один как там – остатки команды против капитана) и тяжело раненный, в конце концов, поставил точку в этом мрачном деле, сделав последнюю запись в судовом журнале – и покинув это мир, ибо “капитан покидает судно последним”… Как-то делал обзор на эту игру, эпизод этот, в целом, тем временем, антуражем, морскими чудовищами и мрачным невезучим кораблём – и не менее сильным духом капитаном, напомнил именно эту игру. И тут и там кэпы круты, отбиваясь от своих подчиненных, стараясь сохранить корабль и мастерски владея оружием при этом.

Кстати, ещё при договоре с “крабом” можно понять, что кэп не крыса-кун, который трясясь от страха, вымаливает пощады – нет, кэп медленно цедит фразы, осторожно и не спеша, взвешивая слова, выторговывает у монстра наиболее выигрышный вариант (вероятно, в мыслях понимая, что как со злым джином, у этого договора будут нюансы – и что одна сторона скорее всего кинет другую – и учтя это, он решил переиграть монстрилу). Также, он разменял команду, но по своему кодексу избавил от такой участи одного моряка. Однако, следуя своему плану, кэп всё же, так или иначе, команду теряет. Н этот минус отчасти искупается его финальным ходом против монстра.

Были намёки, что с островом Фейдена не всё гладко, там живут в целом, нелюдимые “редиски” – но так как никто не заслуживает такой участи, кэп выбрал риск и уничтожение монстра, и это был его выбор. В связи с этим я ждал, что когда бы капитан прибыл на остров Фейден, его бы походя застрелили из мушкета, как чужака – был бы “мрачнее некуда” финал, циничный и закономерный. Но нет, эпизод, несмотря на мрачность, все же даёт оптимизм и успех в тяжелом противостоянии, и скорее даёт неопределенность – капитан плывет к острову, который спас, тот сияет огнями, даже не знаю какой угрозы избежал. Затемнение.

Рой, как по мне, слили – все шикарно, mass effect, starcraft и прочее и… Но финал???? Супермозгу нужны были солдаты или достойные собеседники? Нефига не понял – но очень интересно! Внезапно оборвали. Не дожали, да к тому же музона почти нет. Читаем оригинал, там понятнее:

В этой вселенной противостояли групиировки шейперов-природников (сходных с шейперами Тау из Вахи), против технократов, а изучение Роя – воможность повысить свои ставки в этой войне (однако это бы вылилось, скорее всего, в направление “живого оружия”- на основе животных Роя, так что человечеству такие знания были бы скорее противопоказаны). Тут даже бы 40 минут едва ли хватило бы для полного раскрытия темы, так что эпизод вышел очень неполным и недостаточно информативным. Отчасти это тут же и разочаровало фанатов собсвенно оригинального рассказа, воодушевившихся было грядущей экранизацией.

Крысы Мейсона – простенько (как Свалка из первого сезона), но исполнено отлично, достойная байка. Старый шотландец – моё почтение! – и мораль – лучше подружись, чем воюй – тем более, что родственные души.

Кстати, в первый момент мне привиделся не Ктулху, а гигантский паук-восьмиглаз, тем более, что у него в подчинении были как раз пауки (кажется даже техногенные или нано-паучки), что напомнило мне гигантского же паука, из игры Nocturne 1999 года – там была глава Гробница подземного бога, с аналогичным сюжетом; но и там его не выпустили на поверхность.

Наемники (Убей, команда, убей!) больше для фана, сами по себе круты, но мы уже такое видели. Просто солдаты vs монстр из лаборатории. Лол, в переводе перевели медведя как барсука. Но наёмники зачётные, жгут. Все этакие зарисовки-типажи наёмников со своими причудами, но особо порадовал недо-Рэмбо в тёмных очках, с усами байкера и вечно жующий жвачку – и ещё порадовала робо-собака, по типу проектов H.A.R.M., ДЭРПА, SPUR и BigDog – они уже давно не фантастика.

На удивление последний эпизод зацепил (Джибаро), пересматривал много раз: крик, пение (на манер певицы Плавалагуны из Пятого элемента), визуал, посыл – сильно, на того же Свидетеля отчасти походит (в принципе, это фишка автора, собственно Альберто Миельго сам испанских кровей, а появляющаяся часто в его работах девица-танцовщица – его муза) – в роли жертвы двое менялись периодически – испанец и аборигенка (кстати, хиваро или хибаро – это одно из племён индейцев).

Синеглазый идальго с татуировками? Но всё равно круто. Из-за этого многим показалось этот эпизод похожим на игру New World или даже GreedFall, где были сходные мотивы другого мира (и татуировки на лице у одной из рас), но с явной отсылкой на завоевания Америки. В целом, воспринимается как артхаус, местами от этого “кардебалета рыцарей” пробивает на смех, но ситуация дикая и жутоватая. Странное сочетание, тем и подкупает – но части зрителей может быть неприятна такая смесь. Также – Золотая баба, убивающая криком… хм, нам, уральцам это знакомо…

Его недаром, этот эпизод, поместили в конец – он действительно шикарен. Хотя всё равно жалко было идальго. Хотя, по сути, крик этой аватар-богини (основой явно была смертная девушка, которой видимо управляли как марионеткой и по факту, под конец она веротяно уже была мертва, судя по цвету кожи) – это боль этой земли, которую испанцы шли разорять.

Кстати, видно, что сокровища на теле озерной танцовщицы крепятся к её коже – на манер панциря дракона Смауга, к которому за годы лёжки на злате и серебре, плотно приклеились к его чешуе. Озерная дева, об этом мы тоже слышали. По сути нам дали глянуть всё давно известное, но в крайне необычном миксе, чем и всё же даёт такой эффект легкого безумия и узнавания одновременно.

Графон – поражает, особенно если задуматься, сколько там проработанных деталей и нюансов – и всё это надо было скомбинировать и продумать. Одним этим, старанием, работой над ним, этот эпизод вызывает уважуху. Кроме того, автор не стал двигать опять свои урабнистические тесные небоскрёбы и трущобы, а перешел на природу, что смотрится гароничнее и натуральнее, что ли.

Спасением рыцаря было то, что он был глух – вопрос о том, много ли навоюет в бою глухой, где и стрелы могут свистеть, “на часах” там стоять – остается открытым; но под конец ему открыли “новые горизонты”, но одновременно и сделали уязвимым – правда, и он себя ранее повёл безрассудно, поддавшись жадности и “раздев” богиню (до глубокой ночи затянулся этот грабёж, этакая “золотая лихорадка”). Лол, но испанцы на себе не меньше золота таскали, чем намеревались утащить отсюда – те же золотые доспехи командира отряда…

Испанцы – народ горячий, буйный, и отчаянно смелый, решительный – что порой переходило в безрассудство, жестокость и ту же жадность, заносчивость – которая потом разбилась о холодный расчёт англичан, выбивших испанцев с морей. Так что если по этому эпизоду испанцы-захватчики поплатились, то в реале они всех майя-ацтеков просто поработили и изничтожили. А уж золота-то нахапали изрядно и всё мало было – подавай им Эьдорадо, Город золотой…

Хотя я, скачав сериал, выбрал по первым кадрам и картинке, и решил, что буду смотреть в первую очередь – простенькие, а самые-самые по интуиции оставил напоследок – и от этого эффект был ещё круче, всё самое лучшее одним махом, под конец.

И ещё – так как с переводами-дубляжом пока напряг, смотрел в оригинале с субтитрами – и не пожалел об этом, когда появились почти тут же дубляжи, и они были слабее – оригинал круче, да и субтитров не так много, потому что серии короткие. Особо подчеркну – голоса роботов, сипение краба из второго эпизода – через мертвого моряка, голос подземного Ктулху (Освободи меня!), ещё акцент старого шотландца, с его грассирующим Р – всё это сложно передать даже дубляжом (а если он вообще от балды и наспех, то вообще никак). Надо бы вообще все три сезона глянуть хоть раз в оригинальной озвучке.

Половина третьего сезона на ура: одна часть эпизодов мощные, вторая половина – достойные эпизоды, правда, они больше для затравки, развлекухи и фана. По факту, 2 и 3 сезоны – это и есть одно целое, просто растянули по времени. И наверное, вот почему второй сезон слабый – это ведь начало, для разогрева, а уж вторая часть (который третий) сильнее. Как по мне, третий сезон находится между первым и вторым – лучше второго, но уступает первому. Да и приедаться стало. Еще обидно – ДЖВА ГОДА ждешь, а кайфу максимум на два часа, но зато до дыр пересматриваешь.

Пожалуй. это единственный проект от Netflix, который люди ждут как никогда, тем более, что он предоставляет обширнейшие домыслы и возможности реализации рассказов, по крайней мере фантастов – и других писателей. Мульфильмы, как по мне, самый универсальный формат для передачи инфы – от смешной до серьезной, всякой. Выбираешь стиль, исходя из стиля источника, рисуешь, подбираешь музыку (а вот тут не менее серьезно надо поработать); в мульте нарисовать можно почти что хочешь, в отличие от съемок фильмов, в которых всё же есть довольно ощутимые рамки ограничений. Конечно, и мульты требуют не меньше старания времени и усилий, но всё же при наличии желания и ресурсов, можно создавать самые разные шедевры, зарисовки и прочее. К тому же, как мы видим, комбинированные съемки, разные стили и 3D позволяют создать картинку, почти неотличимую от реальности. Или даже именно за гранью фантазии и реальности.

Ждём, когда будет следующий. Шоу должно продолжаться!

Первоисточники.

Вообще, если смотреть, будет видно, что все эпизоды – это экранизации рассказов по фантастике. И среди них выделяется такой источник, оттуда взято многое для разработки – из сборника SNAFU (межавторский цикл, обычно только на английском языке):

Тайная война Дэвида Амендолы – Hunters, Пожиратель душ – Кирстен Кросс – Survival of the Fittest, Костюмы – Стива Льюиса – Duture Warfare.

Также, другие рассказы:

Утонувший великан – рассказ Грэма Балларда, Спасательный бункер – “скандального старичка фантастики” – Харлана Эллисона. По всему дому – рассказ Иоахима Хейндерманса, Сноу в пустыне – рассказ Нила Эшера, Высокая трава, Свалка и Рыбная ночь – рассказы Джо ЛэнсДэйла, Звёздная команда – рассказ Паоло Бачигалупи, Лёд – рассказ Ричи Ларсона, Ледниковый период – рассказ Майкла Суэнвика, Счастливая тринашка и Оборотни (этакие Jin-Roh) – рассказы Карко Клооса, Рука помощи – рассказ Клодин Григгс, Доброй охоты – рассказ Кена Лю, Приемущество Сонни – рассказ Питера Гамильтона.

Автоматическая клиенсткая служба, Три робота и Исторические альтернативы – рассказы Джона Скальци.

За разломом Орла и Zima Blue – рассказы Аластера Рейнольдса (ага, он и это написал).

Разве что Свидетель сам по себе.

Из третьего:

Три робота: стратегия отхода – тот же Джон Скальци, сценарий.

Живой пульс машины – это Машины бьется пульс, Майла Суэнвика. Чисто женская история получилась – и режиссер женщина – Эмили Дин. Отчасти есть мотивы Соляриса.

Плохое путешествие – Нил Эшер. Его же – повесть 1999 года, Крысы Мейсона (но адаптировал сценарий не кто-то там, а фэнтезист Джо Аберкромби).

Также, как я говорил ранее – его же Сноу (снег) в пустыне 2002 года из второго сезона, к слову.

Рой за авторством Брюса Стерлинга. У многих экранизация вызвала восторг самим фактом экранизации этого произведения.

Конечно, в первоисточнике понятней изложено и не так скомкано, как подано в эпизоде: разумные расы, такие как люди – саморазрушительны сами по себе, когда как Рой – симбиоз утративших “агрессивный интеллект” симбионтов, которые поддерживают общность колонии. Горе от ума, короче.

Остаётся Ночь живых мини-мертвецов сценарий которых придумали сами Тим Миллер и Джефф Фаулер – и Джибаро, альтернативная задумка. Ну ещё Убей, команда, убей – Джастин Коутс. В сводчатых залах погребены – Алан Бакстер. Как видим, многие сценарии – это лишь заготовки для визуала.

Также следует учитывать, что анимация и подача сильно порой облагораживали простоватый источник – когда как идея была, воможно, гениальна и точна, а вот подача была порой ровной и пресной. Тот же рассказ За разломом орла был малоизвестен у нас (но вполне почитаем в США), являя собой крепкую, но стантартную что ли, фантастику. А вот Зима Блю того же автора был более знаменит. Она, эта история (и ряд других) интриговали, но поражать стали лишь тогда, когда её правильно подали и подготовили. Вот почему, так часто люди стремяться увидеть, как будет на экранах выглядеть произведение из классики или фантастики, а то и ужасов.

Вообще, если смотреть, будет видно, что все эпизоды – это экранизации рассказов по фантастике. И среди них выделяется такой источник, оттуда взято многое для разработки – из сборника SNAFU (межавторский цикл, обычно только на английском языке):

Тайная война Дэвида Амендолы – Hunters, Пожиратель душ – Кирстен Кросс – Survival of the Fittest, Костюмы – Стива Льюиса – Duture Warfare.

Также, другие рассказы:

Утонувший великан – рассказ Грэма Балларда, Спасательный бункер – “скандального старичка фантастики” – Харлана Эллисона. По всему дому – рассказ Иоахима Хейндерманса, Сноу в пустыне – рассказ Нила Эшера, Высокая трава, Свалка и Рыбная ночь – рассказы Джо ЛэнсДэйла, Звёздная команда – рассказ Паоло Бачигалупи, Лёд – рассказ Ричи Ларсона, Ледниковый период – рассказ Майкла Суэнвика, Счастливая тринашка и Оборотни (этакие Jin-Roh) – рассказы Карко Клооса, Рука помощи – рассказ Клодин Григгс, Доброй охоты – рассказ Кена Лю, Приемущество Сонни – рассказ Питера Гамильтона.

Автоматическая клиенсткая служба, Три робота и Исторические альтернативы – рассказы Джона Скальци.

За разломом Орла и Zima Blue – рассказы Аластера Рейнольдса (ага, он и это написал.

Разве что Свидетель сам по себе.

Из третьего:

Три робота: стратегия отхода – тот же Джон Скальци, сценарий.

Живой пульс машины – это Машины бьется пульс, Майла Суэнвика. Чисто женская история получилась – и режиссер женщина – Эмили Дин. Отчасти есть мотивы Соляриса.

Плохое путешествие – Нил Эшер. Его же – повесть 1999 года, Крысы Мейсона (но адаптировал сценарий не кто-то там, а фэнтезист Джо Аберкромби).

Также, как я говорил ранее – его же Сноу (снег) в пустыне 2002 года из второго сезона, к слову.

Рой за авторством Брюса Стерлинга. У многих экранизация вызвала восторг самим фактом экранизации этого произведения.

Конечно, в первоисточнике понятней изложено и не так скомкано, как подано в эпизоде: разумные расы, такие как люди – саморазрушительны сами по себе, когда как Рой – симбиоз утративших “агрессивный интеллект” симбионтов, которые поддерживают общность колонии. Горе от ума, короче.

Остаётся Ночь живых мини-мертвецов сценарий которых придумали сами Тим Миллер и Джефф Фаулер – и Джибаро, альтернативная задумка. Ну ещё Убей, команда, убей – Джастин Коутс. В сводчатых залах погребены – Алан Бакстер. Как видим, многие сценарии – это лишь заготовки для визуала.

Также следует учитывать, что анимация и подача сильно порой облагораживали простоватый источник – когда как идея была, воможно, гениальна и точна, а вот подача была порой ровной и пресной. Тот же рассказ За разломом орла был малоизвестен у нас (но вполне почитаем в США), являя собой крепкую, но стантартную что ли, фантастику. А вот Зима Блю того же автора был более знаменит. Она, эта история (и ряд других) интриговали, но поражать стали лишь тогда, когда её правильно подали и подготовили. Вот почему, так часто люди стремяться увидеть, как будет на экранах выглядеть произведение из классики или фантастики, а то и ужасов.

Итоги.

Вот кратко и все, что я хотел сказать. Быть может, многое вы и так уже знали, но мое дело напомнить о них, проектах, которые двигают вперед фантазию. Может ещё кто знает подобные сборники, о которых я не знаю?!

Вот как-то так, про всё это – смысл жизни, вселенной и всего такого…